18/12/2013
Lady Gaga y las esterilizaciones
Publicado en: EL COMERCIO
17/10/2013
WARPTv presenta: Lucia Cuba
Publicado en: WARP Tv
“Lucia Cuba, diseñadora de modas y científica social, originaria de Lima, Perú, es apreciada en el mundo de la moda por su propuesta de vanguardia con líneas simples y cortes”
14/03/2012
El trabajo de Lucia Cuba
Publicado en: GALERIA
10/08/2011
Lucia Cuba: científca social, diseñadora y curadora
Publicado en: MI HOGAR / EL COMERCIO
22/06/2012
Interview: Lucia Cuba on gender, strength and politics
Publicado en: PASS UN AUTRE/ A JOURNAL OF ARTS AND CULTURE
Can fashion be used as a medium for social change? If fashion is an artform and one of art’s inherent powers is to change people minds then the answer is yes. From 1990 to late 2000 the former president of Peru Alberto Fujimori was engaged in an alarming series of human rights abuses including the forced sterilizations of men and women as part of a family planning campaign called Contraceptive Voluntary Surgery. As a result nearly 300,000, mostly indigenous, women were coercively or forcefully sterilized during these years. Medical procedures where executed without consent, using fake signatures and untranslated “agreements”, and under unsanitary conditions. In most cases no post-operatory information and treatments were provided. This caused secondary effects related to the surgery, terrible complications that in some cases lead to the death of patients. Fujimori is currently serving a 25 year prison term for his involvement in the kidnappings and mass killings carried out by an established paramilitary group called the Grupo Colina death squad which was supported by Fujimori and former head of Peru’s intelligence service Vladimiro Montesinos. But will justice be served for the victims of the forced sterilizations? In 2001, a brave group of 12 women from the town of Anta, in Cusco, Peru denounced the violation of their rights and after 15 years of protest the public prosecutor’s office has reopened the case, but there is a risk it may be dismissed. Peruvian social activist and designer Lucia Cuba, who recently graduated from Parson’s in New York, has started Articulo 6, named after the statute in Peru’s general health law that all persons should have the right to choose their own contraceptive method, as a way to give greater visibility to the case and to open a dialogue about issues of human rights, gender and justice. I got in touch with Cuba to learn more about the Articulo 6 and how she is using fashion design to broaden awareness. (…) Erasmo Wong
06/05/2014
La moda y conciencia social de la diseñadora peruana Lucía Cuba
Publicado en: VISTE LA CALLE
El trabajo de la diseñadora peruana Lucía Cuba, resume la armonía de dos profesiones, psicología y diseño, las cuales se nutren una de la otra para dar paso a la creación de una narrativa que transmite conceptos sobre temas sociales y de género. Como psicóloga, Lucía Cuba está especializada en Psicología Educacional y Desarrollo Humano, mientras que en el área de vestuario cuenta con la especialización “Fashion Design & Society” de la universidad de Parsons en Nueva York. De aquí se desprende la colección de la que hablaremos hoy: “Artículo 6, narrativas de género, fortaleza y política”, la cual fue presentada en septiembre del 2012 en la Semana de la Moda en Nueva York.
El proyecto “Artículo 6” se centra en mostrar lo que sucedió en Perú entre los años 1996 y 2000, durante la presidencia de Alberto Fujimori, respecto a las políticas públicas de los programas de control de natalidad, dentro de las cuales se realizaron numerosas esterilizaciones forzadas a mujeres de las zonas centro andinas de Perú. Su trabajo, tanto polémico como real, muestra a mujeres usando vestidos con vuelos anchos que emulan las polleras (faldones de una o varias capas), sandalias conocidas como ojotas (palabra indígena para denominar un tipo de calzado trenzado), y además la estética del cabello recogido en una trenza muy larga, todos ellos elementos del vestuario andino que las mujeres campesinas llevan a diario hoy en día.
El proyecto “Artículo 6” es considerado por la diseñadora como un proyecto de diseño activista, que muestra, además de la colección de vestidos, doce acciones que apoyan y dan fuerza a un concepto principal: generar memoria y crítica en el público, así como sensibilizar ante los hechos mencionados anteriormente. Estas acciones no sólo son llevadas a los desfiles, sino que también intervienen en diferentes espacios y medios, desde los cuales el público puede tener contacto en diferentes momentos y espacios.
La colección que se mostró en la pasarela del New York Fashion Week exhibió 34 prendas, dentro de las cuales se incluyeron vestidos con diferentes tipos de estampados, algunos de ellos con extractos del mismísimo Artículo 6, de la Ley General de Salud del Perú, la cual señala que: “Toda persona tiene el derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia y a recibir información adecuada sobre los métodos, riesgos y contraindicaciones que su aplicación pueda ocasionar”.
Entre los próximos proyectos de Lucía Cuba se encuentran un nuevo trabajo llamado “Ejercicios en Salud”, así como su futura exhibición en noviembre de este año, con “Artículo 6″ como parte de la exhibición “Nuevos Territorios: Laboratorios de Diseño y Arte en Latinoamérica” del museo de Arte y Diseño de Nueva York. (…)
19/04/2014
El diseño de modas es una forma de intervenir en la sociedad
Publicado en: LA MULA.PE
Lucía Cuba no solo es una joven y reconocida diseñadora de modas; también es una científica social y psicóloga comunitaria-educacional. Además de LCO, un nuevo proyecto de marca que está próxima a lanzar, lleva a cabo proyectos de diseño de modas en los que muestra su preocupación por la sociedad, enfocada en temas como los derechos sexuales y reproductivos, asuntos de género y el modo en que las personas se relacionan con las prendas de vestir.
18/09/2012
Articulo 6 by Lucia Cuba
Publicado en: EN EL NOMBRE DE LA MODA
Lucia Cuba, con su nueva colección de graduación en PARSONS SCHOOL , busca concientizar a todos con su tema ARTICULO 6, donde nos explica como muchas mujeres fueron esterilizadas sin su consentimiento durante el periodo de gobierno de Alberto Fujimori desarrollado en los 90’s.La presentación realizada en Domingo, ubicado en Barranco, le sirvio para desarrollar muy bien el tema en un ambiente que se sentia intimo y dio pie a sentir hasta cierto grado, una identificacion total con esas mujeres vejadas en sus derechos y que me parece excelente de parte de la diseñadora , recordarnos a los que vivimos en esos años e ilustrar a las nuevas generaciones ese periodo oscuro deL GOBIERNO DE FUJIMORI. Sin mas palabras les dejo las fotos, agregando que antes las cosas de LUCIA CUBA no me llamaban la atencion pero con esta coleccion …creo que la hizo de VERDAD!…LA SIENTO MUY BIEN HECHA, EL CONCEPTO GENIAL Y SOBRE TODO LAS PRENDAS NOS RECUERDAN A NUESTRAS MUJERES DE LA SIERRA , con aquellas polleras y camisas reinventadas no de una manera etnica, sino mas bien minimalista con una cuota de vanguardia en los cortes sezgados de los pliegues y plizados….ahora sip los dejo ..juzguen ustedes mismos…
20/09/2012
El artículo 6 de Lucía Cuba en el New York Fashion Week
Publicado en: QUINTA TRENDS
La moda juega en un terreno donde la política pareciera estar lejos. Sin embargo, la realidad nos ha demostrado que esto no es totalmente cierto. Un ejemplo de ello es la opción de varios diseñadores latinos por plasmar en sus creaciones una mirada política. El caso de la diseñadora Lucía Cuba y su Artículo 6: Narrativas de género, fortaleza y política es paradigmático. Hoy nos contará sobre él y su acción #5 en el NYFW 2012.
01/06/2009
El hilo del futuro
Publicado en: SOMOS
Tejidos, fibras y diseños peruanos siguen prosperando en mercados internacionales
28/09/2012
Lucia Cuba
Publicado en: CARAS-PERU
16/09/2012
Moda en NY
Publicado en: SOMOS
15/12/2012
Graduate Directory 2012
Publicado en: WALLPAPER
[Our annual recce of the young guns who are hitting the creative bullseye]
Peruvian Lucia Cuba’s debut is both a fashion collection and social activist project, drawing attention to forced governmental sterilisation in Peru. Silhouettes are inspired by traditional Andean polleras (skirts), in maroon, yellow, cream and black, and she has embroidered fragments of victims’ testimonies, political speeches, legal documents and research papers onto the fabrics, literally wrapping the wearer in information and creating fashion rooted in social awareness.
15/03/2009
Trio de gracia
Publicado en: IN LAN
19/05/2009
La Sicología de la Moda
Publicado en: DIARIO GESTION
27/04/2009
Por las pasarelas de la moda en Perú
Publicado en: LA REPUBLICA
13/01/2009
Caída Libre
Publicado en: REVISTA ARENA
13/03/2009
Lucia Cuba
Publicado en: VOGUE - LATINOAMERICA
03/10/2009
Gamarra con conciencia
Publicado en: BASH
14/09/2013
Hilos de justicia
Publicado en: ASIA SUR
Luego de culminar una residencia de nueve meses en The Textile Arts Center, y de presentar su colección Artículo 6, sobre las esterilizaciones forzadas en los noventa, en el New York Fashion Week 2012, Lucía Cuba teje para su próxima exposición en la galería The Invisible Dog, en Brooklyn. Con hilos de género y política, la diseñadora unirá las historias de tres mujeres esterilizadas en Perú, China, y Estados Unidos en una misma tela.
05/09/2012
Lucía Cuba: Moda y política
Publicado en: ASIA SUR
Artículo Uno
La diseñadora Lucía Cuba estuvo en Lima hace poco. Fue una visita breve desdeNueva York, donde está terminando su maestría de moda en Parsons, una de las más prestigiosas escuelas de diseño en la ciudad. En pocos días, logró organizar un conversatorio sobre su tesis:Artículo 6, Narrativas de Género, Fortaleza y Política.
Este proyecto de diseño activista se basa en la investigación acerca de las esterilizaciones forzadas realizadas durante el mandato del ex presidente Alberto Fujimori, entre los años 1996 y 2000. Las cifras son escalofriantes. En ese tiempo, casi 300 mil mujeres fueron castradas a través de una despiadada política de control poblacional, implementada por el gobierno en las regiones más pobres del país. Más de 2 mil denuncias fueron presentadas ante la Fiscalía de la Nación. En marzo de este año se reabrió el caso por tercera vez. Dieciséis años después, dicho caso corre el riesgo de ser ignorando y archivado nuevamente.
Frente a este panorama, Lucía Cuba, diseñadora y psicóloga de profesión, utiliza la moda como campo de acción y difusión. Su primera aproximación al hecho se produjo al leer una noticia sobre el tema en el año 2002, y posteriormente, cuando investigó para el doctorado que tiene en el tema de Salud Pública. Entonces expusoArtículo 6 en el laboratorio creativoDomingo. Se desmenuzó todo el proyecto, desde la colección, que consta de 34 piezas y 12 acciones, entre proyecciones, exhibiciones, fotografías, performances e instalaciones, pasando por el material recopilado con información de la Defensoría del Pueblo, hasta el video-concepto de la colección, realizado con la top model peruana Carla Rincón. Todas las prendas han sido creadas a través de técnicas mixtas de bordado y estampado en algodón y canvas. La pieza que más destaca es la pollera andina.
Artículo Dos
Moda y política. Una pasarela y el caso de esterilizaciones forzadas a mujeres andinas hace más de una década. Una tesis de graduación y las denuncias realizadas por estas mujeres ante la Fiscalía. ¿Por qué una colección acerca de un tema tan delicado, que incluso el día de hoy despierta tanta polémica? «Estoy en un momento en mi vida en el que me planteo,ya realmente, tener hijos o no. Luego de la investigación que realicé y toda la información que he recopilado mientras desarrollaba este proyecto, lo que siento es indignación. Por eso, me pregunté qué podía hacer al respecto», dice Lucía Cuba, la diseñadora que ya había tocado una fibra social importante con Proyecto Gamarra-Rafia.
Desde Nueva York, sin compartir un espacio físico en común con las afectadas, y viviendo en un tiempo posterior a cuando ocurrieron los hechos, buscó realizar una acción desde la plataforma que venía desarrollando desde años atrás: la moda. «Siento que puedo asumir algo, hacer algo para que la gente reflexione y que no solo digan“qué pena lo que pasó”». Claro, estas injusticias se cometen en todo el mundo. Artículo 6persigue los mismos motivos, desde otro formato, que el informe de la Comisión de la Verdad: contar la historia para no olvidarla.
Artículo Tres
«No se trata de plata, se trata de justicia», dice Lucía Cuba, quien sintió la indiferencia limeña hacia este caso.Incluso, su muestra ya ha sido censurada en diversos espacios, tanto físicos como de prensa, desde su llegada al Perú. «Las mujeres que sufrieron el programa de Anticoncepción Quirúrgica Voluntaria (AQV) enfrentan un pasado traumático y un futuro incierto. No han recibido más que discriminación de todos lados: de su comunidad, de su ciudad, de su país. Ellas, como mujeres y madres de familia, desempeñan un rol fundamental en la sociedad. En consecuencia, los afectados somos todos».
13/01/2007
Date el lujo
Publicado en: REVISTA ARENA
12/05/2007
Diseños de jóvenes para el mundo
Publicado en: PARATI
04/10/2007
Lucía Cuba
Publicado en: Caras - Perú
05/04/2008
Comienza Perumoda 2008
Publicado en: MI NEGOCIO
23/08/2012
Art and fashion meet social activism at Lucia Cuba's Artículo 6
Publicado en: PERU THIS WEEK
Sometimes art is just art, but sometimes it is also so much more. Lucia Cuba uses her art and fashion design to teach an important message to Peru: let’s not repeat the mistakes of our past.I never thought about fashion as a vehicle to express outrage towards a horrendous crime. But Tuesday night in Cinematògrafo de Barranco, I learned that fashion is so more than beautiful outfits; that one of the purposes of fashion is also to raise social awareness so as not to make the same mistakes of our past and not to let crimes happen again.
16/11/2011
Procesos Peruanos, Moda y Diseño: Diseño de Modas Introspectivo
Publicado en: FASHION EVERYWHERE
11/03/2013
Lucia Cuba: Articulo 6
Publicado en: THIS IS PAPER
“Articulo 6: narratives of gender, strength and politics” is an activist design project that aims to raise awareness about the case of forced sterilizations implemented during the government of Alberto Fujimori in Peru (1996-2000).
The name of the project refers to the Sixth Article of the Second Chapter in the General Health Law of Peru, which establishes that “all persons have the right to choose freely the contraceptive method they prefer, and to receive appropriate information on the methods available and the risks”.
The project explores different narratives related to the case of forced sterilizations, and uses the testimonies of the victims, fragments of political speeches, research documents and laws, as well as other textual and visual content, as raw materials for the project.
Articulo 6 consists of a collection of 34 pieces of clothing and 12 actions. The clothing collection is made through mixed media, using embroidery and prints on cotton twill and cotton canvas. The collection is inspired in the Andean “polleras” or skirts, and is the result of a process of deconstruction and reinterpretation. The blouses and suits that complement this pieces reference the uniformization and militarization of a public policy, aiming also to evoke the strength and capacity of victims to defend themselves and overcome the irreversible while the images and symbols printed in the fabrics comment on the universe of institutions, activists, press and characters related to the case.
The 12 actions of the project are developed through installations, metagarments, performances, workshops, video and photo shoots.
05/10/2012
Fashioning a Political Case
Publicado en: THE GENTEEL
Lucia Cuba is not your typical fashion designer. With a background in the social sciences and fashion design, Cuba has combined creative force with social activism and is determined to create collections that go beyond aesthetic discourse. Rather than simply adapting and advancing the latest trends, Cuba is instead using her designs to generate dialogue about important socio-political issues.
Originally from Peru, Cuba moved to New York City to participate in the Parsons MFA in Fashion, Design and Society program. Her most recent project, ARTICULO 6, was shown during New York Fashion Week this September as part of the Parsons program and received attention for addressing a pertinent and controversial subject in Peru: the hundreds of thousands of forced sterilisations that took place under the birth control policies implemented by President Alberto Fujimori’s government. Across the globe, it often goes unmentioned that 300,000 women and 16,000 men, many of whom were from impoverished and rural backgrounds. Official investigations report that at least 2,747 people underwent forced sterilisations.
Cuba’s latest collection has even caught the eye of various celebrities; Lady Gaga was recently interviewed wearing a long-sleeve dress with pleated skirt, covered in printed text, from the ARTICULO 6 collection. The thought-provoking collection, which premiered at the Parsons: The First Eighteen MFA runway show, includes 34 garments, testimonies from victims, broken extracts of political speeches and policy documents as well as a set of 12 actions that will continue to be unveiled through installations, performances, exhibitions, film, photo shoots, workshops and lectures. These accompanying actions are intended to impact upon policy and social change.
Through these initiatives, Cuba hopes to draw attention and support for the men and women who have taken their cases to court. The Genteel chats with Cuba about what influences her work and how the reactions to ARTICULO 6 will impact the project’s future direction. (…)
19/01/2014
Winners of Han Nefkens Fashion on the Edge Award announced
Publicado en: MUSEUM BOIJMANS
Winners of Han Nefkens Fashion on the Edge Award announced
20 January 2014
Exhibition
The Future of Fashion is Now
11 October 2014 – 18 January 2015
A jury of experts, including the fashion-duo Viktor&Rolf and Karin Swerink, Editor-in-Chief of Vogue, have awarded the prize to six young fashion designers. They are each creating a new work on the cusp between fashion and art. These new works will be on show for the first time in the exhibition ‘The Future of Fashion is Now’, which will open this autumn in Museum Boijmans Van Beuningen.
The jury is made up of Viktor&Rolf, Karin Swerink, Vassilis Zidianakis (Atopos cvc), Han Nefkens and José Teunissen. The six fashion designers and initiatives are Iris van Herpen (NL), Craig Green (GB), D&K (Ricarda Bigolin & Nella Themelios, AU), Olek (PL), Digest Design (CN) and Lucia Cuba (PE). This autumn, their vision on the future of fashion will be on show in Museum Boijmans Van Beuningen. The jury will be assisting the prize winners right up to the opening. The public can also follow this process via a special website that will be launched shortly. The announcement of the Han Nefkens Fashion on the Edge Awards marks the official start of the preparations for the fashion exhibition in Rotterdam.
Karin Swerink about the selection: “It had to engage, inspire and surprise me. All six designers met these three criteria." Vassilis Zidianakis (Atopos cvc): “It was clear that the body of work of all 6 designers was comprehensive, distinctive, unique.”
Exhibition
‘The Future of Fashion is Now’ takes visitors on a journey along the most innovative fashion and fashion talents from all over the world and features work by designers such as Viktor&Rolf, Christophe Coppens, Martin Margiela and Hussein Chalayan. Work by more than sixty international designers is on show, from leading fashion houses to young, up-andcoming talent. The exhibition addresses the critical position young fashion designers adopt towards the fashion system and the role of clothing in today’s society. Sustainability, new technologies and the value of clothing for the identity of an individual or a community are themes with which they open the discussion about fashion of the future.
Jury and scouts
Twenty international scouts each selected two or three designers for the exhibition and the Han Nefkens Fashion on the Edge Award. This unusual method of working resulted in a selection from which the jury of experts has now chosen six prize winners.
Han Nefkens Fashion on the Edge
Han Nefkens Fashion on the Edge is an initiative of writer, benefactor and art activist Han Nefkens and fashion expert José Teunissen, in collaboration with Museum Boijmans Van Beuningen. The initiative’s mission is to support fashion talent working on the cusp of fashion and art. The Han Nefkens Fashion on the Edge Award offers designers the opportunity of creating new work, which is then given on perpetual loan to the museum.
Han Nefkens recently announced that he is donating the latest haute couture collection of Viktor&Rolf to Museum Boijmans Van Beuningen. This collection attracted considerable attention in the spring of 2013 in Paris and will be on show to the general public for the first time in the autumn exhibition ‘The Future of Fashion is Now’.
06/03/2013
Find of the Week: Lucia Cuba
Publicado en: SEE 7
This week, we feature the work of Lucia Cuba and her political statement collection on Peru’s Articulo 6, the forced sterilization program between the years of 1996 and 2000, that affected over 300,000 women and 16,000 men through pressure, bribes and falsified information. Despite the heavy inspirational material, the clothes are beautifully conceived and executed, with the passion of the political and activistic message evident through her work. (Sass Brown)
05/12/2013
Clothing Matters: Conversations on fashion with Lucia Cuba coming up in Lima in December
Publicado en: PERU THIS WEEK
Fashion is about more than who’s wearing what; it also has social implications. The Objects/Subjects: Constructive Conversations workshop, run by designer and researcher Lucia Cuba, will open the discussion on the wider socio-cultural issues.Peru’s fashion landscape has transformed dramatically in the last five to ten years. In many ways, it has mirrored and followed Peruvian gastronomy’s rise to fame and success.
Fashion shows have multiplied in and out of Lima; designers are aplenty; public and private support are there; there’s no shortage of local and international fashion brands offering the latest international trends; and one look at Twitter or Instagram will reveal the proliferation of Peruvian fashion professionals – from bloggers, to models, PR specialists, illustrators, photographers, stylists, make-up artists, production experts, and so on and so forth.
We find ourselves, so it seems, at a prime moment to elevate the Peruvian fashion brand to international stardom, at least the latest initiatives coming out of New York, Mexico, Vancouver, and Madrid would have us believe so. But let’s ask ourselves: What is Peruvian fashion? Is there such a singular, all-encompassing thing? Are there Peruvian fashions, then? And from all the press coverage and social media hullaballoo that fashion receives on a daily basis, what are we left with to ponder, to discuss or criticize (it’s neither a bad word nor practice, my friends)?
A recent fashion editorial in the lifestyle magazine Ellos&Ellas featured an image that caused an online stir for its dangerous flirtation with, some would argue outright use of, racialized tropes; an image, and accompanying caption conceptualized in such a way that “othered” the indigenous woman who became an impromptu model for the photograph, and placed her in anonymity in respect to the model and designer, who were given a name and profession: they were given an identity.
This incident, like others that aren’t what one would call celebratory in their nature, are left in the dust by big media players and the participants themselves (the designer, Susan Wagner in this case, the photographer, and the response from the editorial board was nothing short of an outright dismissal). Of course, this isn’t a phenomenon exclusive to Peru, or exclusive to fashion, but at the same time: as the industry continues to aspire to do bigger and better, shouldn’t we also seek to create a more inclusive, self-reflective space in which the plurality of participants and visions comes to the surface?
This is where fashion designer and researcher Lucia Cuba comes into the picture. Firstly, I invite everyone to read Cuba’s call to action in response to the aforementioned image. Along with the online magazine Sientemag, she will present a collaborative workshop entitled Objects/Subjects: Constructive Conversations this upcoming December 11-13. Cuba’s ethos as a practitioner and investigator falls under the premise of clothing and fashion as cultural and social manifestations. As such, this workshop will allow for fashion enthusiasts to approach this world by way of exploring the potential for critical understandings of design objects and their social functions. By way of conversation and the practice of making, participants will generate dialogues around wider socio-cultural issues that can indeed manifest themselves, and arise from, clothing.
Dialogue-based workshops and conversations such as this one are few in the field of fashion (as we know it in Peru). That, we hope, will change and is something that we should take up as a challenge to amend. For more information and to sign-up for the workshop, visit our Events Calendar.
10/03/2013
Lucia Cuba
Publicado en: ECO FASHION TALK
Articulo 6 is a project by Lucia Cuba that aims to generate dialogues on gender, strength and politics through a range of conceptual and visual elements, a large component of which is a beautifully conceived and produced collection of women’s wear. The visual narrative reflects on gender, strength and politics, with the intent of advancing critical thought with notions of human rights, and the politics of clothes. The project is based around the concept that garments can be used as a medium to inform and raise questions about the topics they touch upon, in this case, the forced sterilizations implemented during the government of Alberto Fujimori in Peru. Cuba’s activistic design project aims to raise awareness about the case.
09/07/2012
Grads From Parsons' New Fashion MFA Program Explore High-Concept, Narrative, and Innovation
Publicado en: BLOUIN ART INFO
According to Shelley Fox, the director of the new MFA in Fashion and Society program at the Parson’s School of Design, it’s time to stop fearing ideas. “New York has been known for its focus on the market. But it’s time to think about originality again. Not everything has to come from a marketing perspective,” said Fox. “The marketing is one thing but if you haven’t got product that’s interesting, what have you really got?” she added. This is precisely the philosophy Fox teaches on her graduate program, which, having accepted its inaugural class in 2010, saw the graduation of its first 18 students this past May.
Built on an interdisciplinary approach to fashion, the unique, conceptually based course, which was initiated through the support of Parsons alum Donna Karan, is the first of its kind in New York. And quite frankly, it’s about time. In recent years, London’s Central Saint Martins College of Art and Design (graduates from which include Alexander McQueen, John Galliano, and Stella McCartney, just to name a few), the London College of Fashion, London’s Royal College of Art, and the Royal Academy in Antwerp have been regarded as having leading fashion MA programs, turning out some of the industry’s most sought-after new talents. New York, despite its place as an industry capitol, offered no comparable opportunities. But the Parson’s MFA has changed all that. “The MFA Fashion Design and Society program gives the most promising designers the space and a place to experiment and explore their true potential,” offered Karan in a press release. “I am so impressed with the strong quality of work on view here. It is clear that the program will make an important contribution to American fashion.”
The British-born Fox, whose resume includes an MA from Central Saint Martins, a successful high-concept fashion line, and teaching experience at several colleges in London, encourages students to treat New York as an extension of the studio. “This city has so much to offer,” she said. Fox brought in curators, fashion lawyers, photography tutors, historians, and industry leaders like Karan in an effort to help her students understand design through a wider lens.
This method was particularly appealing to students like 31-year-old Lucia Cuba, whose collection of provocative prints and dresses seemingly bound around the waist was not only masterfully crafted, but an intricate commentary on the political state of her hometown, Lima, Peru. Calling the collection “Article 6: Narratives of Gender, Stress and Politics,” Cuba, who holds masters and Ph.D. degrees in social psychology, describes her graduate work as an activist design project. “I was looking for a graduate program that could somehow allow me to combine both my [social psychology] practice and my research in fashion,” she said. “The concept of this particular project is to create new narratives of gender, human rights, and politics, as well as an understanding that clothes work as devices. They can talk out loud about different social issues.”
On Saturday, the class’s 18 designers, who hail from 13 different countries, will participate in a runway show during New York Fashion Week at Milk Studios. Other than the Central Saint Martins show during London Fashion Week, this is the only student show to have a spot on an official fashion week schedule. “Through the show, we hope to put the Parsons MFA on the international map,” said Fox, explaining that the runway romp aims to attract international press, buyers, and headhunters.
However, thanks to the students’ exemplary work and success in international design competitions, the world already seems to be paying attention. Graduates like Kaoru Oshima, a 32-year-old knitwear designer from Japan, were hired by major fashion houses almost immediately after finishing the course. Oshima, whose collection was inspired by human beings in motion and artist Isamu Noguchi’s sculptures, is now a knitwear designer at Ralph Lauren. Her classmate, 25-year-old Australian designer Talia Shuvalov – whose graduate work featured deconstructed vintage T-shirts which she rewove into voluminous sweatshirts with couture attention to detail – was hired as the knitwear director at Narciso Rodriguez. Both women feel it is essential to gain experience from industry veterans, but they each have a dream of someday launching their own lines. “I think, for young designers, it’s very difficult to have time to think about design. It’s very competitive and many young designers struggle with money, so they just try to focus on the marketing or the merchandising,” explained Noguchi. Shuvalov added, “New York is very much about big brands and I think it’s really hard to compete with that when there’s a lot of big budgets rolling around.”
While New York offers attractive financial and mentorship initiatives for emerging talent, like the CFDA/Vogue Fashion Fund and Ecco Domani, these platforms seem to focus on designers who are already fairly established. Due to financial constraints, many gifted designers struggle to create collections that will catch the attention of these organizations. Meanwhile, in London, Lulu Kennedy’s Fashion East – an initiative that helps new designers navigate the industry and provides them with a runway show during London Fashion Week – plucks designers straight out of graduate school. And the British Fashion Council’s Topshop-sponsored NEWGEN initiative – which not only awards sponsorship and mentorship to several designers per season, but attempts to support their development for seasons to come – also helps talents early on in their careers.
“New York is not so nurturing of young designers,” said one designer. “There are a lot of other places in the world that nurture young designers more than the bigger labels, but I think it just depends on how a country wants to represent its fashion industry.” Is this how America wants to represent its fashion industry? Surely, we can do better.
“I think there need to be more initiatives and I think they need to give the designers time,” said Fox. “Designers shouldn’t be in a hurry. Maybe it’s the culture we’re living in but they seem to want things to happen now. It takes time to build an identity. If we can give them time, if we can get that right, then I think it can work. This whole ‘Project Runway’ thing is not going to do it.”
Despite the challenges in New York, Fox reports that most of her students, whether they aim to launch their own line or join a fashion house, hope to stay in the city. “I know that Europe is the traditional mecca of design but I think New York has a lot to offer. There’s so much opportunity here and there are so many creative people with great energy and excitement,” said 24-year-old Beckett Fogg, the only American on the course. Fogg, who comes from an architecture background, created a minimal collection in which she translated areal images from Google Maps into elegant embossed textures. She is currently in talks with LVMH, but she hasn’t ruled out launching her own line just yet. And if she chooses that road, she wants to do it in New York. “There’s a huge opportunity in fashion in New York and it’s something I’d love to tap into,” she said.
The Parsons MFA program is an exceptional one. “It’s helped me find myself as a designer. Without it, I never would have gotten where I am today,” said Shuvalov. The school has provided ambitious young designers with a fantastic opportunity. And the presence of these new visionaries should be seen as an asset to New York. So let’s make room for these emerging talents. We need their ideas and their fresh, forward-thinking approach to fashion to help the American industry grow. Because, as Fox explained, without innovative design, there’s not much to sell, is there?
17/02/2013
Social Media
Publicado en: NEW YORK CANVAS
Of all the artistic disciplines, Fashion is typically the first to fall in the shallow bin. While we can sit here and endlessly debate the sub- stance of an oxblood peplum to no avail, the hybrid of social aware- ness and craftsmanship married under designer Lucia Cuba’s most recent brainchild, ARTICULO 6, carries a certain irrefutable weight.
Cuba, a Peruvian designer and social scientist with an undergradu- ate degree in Social Psychology, a PhD in public health, and most recently an MFA in Fashion Design and Society from Parson’s, came around to fashion in an unorthodox manner through work- ing with local Peruvian independent designers. Lucia was able to explore fashion design through her independent brand LUCCO and develop activist platforms such as Project Gamarra, a project fo- cused on Lima’s role as a creative hub of garments and textiles.
Through her exploration of ethical manufacturing on a regional level, Lucia Cuba’s next venture was ARTICULO 6, an initiative aimed to raise awareness about the case of forced sterilizations implemented during the government of Alberto Fujimori in Peru.
Referring to the Sixth Article of the Second Chapter in the General Health Law of Peru, the program establishes that “all persons have the right to choose freely the contraceptive method they prefer, and to re- ceive appropriate information on the methods available and the risks.”
ARTICULO 6 consists of a collection of thirty-four pieces of clothing and twelve actions inspired by the Andean “polleras” or skirts, which is the result of a process of deconstruction and reinterpretation that uses both embroidery and prints on cotton twill and canvas. Most uniquely, the garments feature text—testimonials of the victims, political speeches and policy documents—embroidered onto the fabric itself, depriv- ing the literate wearer of any opportunity for oblivion or ignorance
09/04/2013
Conozca la web enfocada en el caso de las esterilizaciones forzadas
Publicado en: LA REPUBLICA
Forzadas.pe recopila artículos de diversos medios de comunicación en referencia al caso.
El caso de las esterilizaciones forzadas durante la época del fujimorismo aún no tiene sanciones. Mientras las agraviadas continúan clamando justicia , una organización ha puesto en Internet un espacio enfocado en este tema.
Se llama Forzadas.pe , descrita como una “ plataforma digital (que) concentra y articula información diversa relacionada al caso —iniciativas, noticias, informes, entrevistas, artículos de opinión, actividades, y diversos contenidos multimedia— y busca contribuir al fortalecimiento de la memoria colectiva y la defensa de los derechos humanos, sexuales y reproductivos en el Perú ”.
“Es importante hablar sobre estos abusos y crear conciencia en la opinión pública , sensibilizar a la población sobre la necesidad de respetar, recordar y dar justicia a todas las personas afectadas por lo que fue una política pública vertical y discriminatoria que no debe repetirse ”, agrega el espacio.
Forzadas.pe es una iniciativa de diversas organizaciones civiles y el proyecto Artículo 6, enfocado también en el caso de las esterilizaciones forzadas.
10/03/2013
Articulo 6: A project by Lucia Cuba
Publicado en: TRENDLAND
Lucia Cuba‘s designing skills and fashion’s international character teamed up for the actvist design project “Articulo 6: narratives of gender, strength and politics”. This project aims to raise awareness about the forced sterilizations that took place during Alberto Fujimori’s goverment in Peru from 1996 to 2000, and it’s named after the Sixth Article of the Second Chapter in the General Health Law of Peru that establishes people’s right to choose their contraception method according to their own will. 12 actions and one clothing collection composes Articulo 6
15/02/2013
Gender, Political Activism and Clothing: The Designs of Lucia Cuba
Publicado en: THE CURATORIAL
18/12/2012
Lucia Cuba - Articulo 6: Narratives of gender, strength and politics
Publicado en: WE ARE SELECTERS
Lucia Cuba utiliza su experiencia como científica social para crear moda con una conexión social, cultural e intelectual más allá de la estética.
Una graduada de Parsons, Lucía fue seleccionada la diseñadora top de 2012 por Not Just A Label y la revista Wallpaper, porque no se centra en el establecimiento de tendencias para la próxima temporada, pero en el enfoque teórico para hacer diseños sencillos y cómodos que no abandonan la estética, sino que proporcionan un contexto complementario. Esto da como resultado un enfoque equilibrado en diseños innovadores y provocadores que empujan los límites de la forma en que nos acercamos a la moda contemporánea.
La colección de Lucia, Articulo 6: Narrativas de género, fuerza y política es un proyecto de diseño activista que tiene como objetivo dar a conocer el caso de las esterilizaciones forzadas realizadas durante el gobierno de Alberto Fujimori en su país natal Perú.
El proyecto explora diferentes narrativas relacionadas con el caso de las esterilizaciones forzadas y utiliza los testimonios de las víctimas, fragmentos de discursos políticos, documentos de investigación y las leyes, así como otro contenido textual y visual, como materia prima para el proyecto.
La colección está compuesta por 34 piezas de ropa y 12 acciones. Las prendas fueron hechas a través de medios mixtos, con bordados y estampados en sarga de algodón y tela de algodón. Las 12 acciones del proyecto se desarrollan a través de instalaciones, performances, prendas-meta y colecciones, exposiciones, películas, sesiones de fotos, conferencias y talleres.
Fuente: NJAL
05/10/2012
New York Wave
Publicado en: BITE MAGAZINE
In September, New York showed that it could compete in the world of graduate fashion degree programs with “The First Eighteen,” a Donna Karan-supported show that exhibited the work of the first eighteen students in the two-year old Master’s program at Parsons. The program aimed to cultivate a critical, conceptual ap- proach to design in the students, who originate from South Korea, Peru, China, and other locales worldwide. Professors encouraged candidates to delve into political, social, and theoretical arguments to underscore their work. The result: a varied, provocative collection of student work. Peruvian designer Lucia Cuba’s Parsons MFA collection launched a project, Articulo 6. Cuba’s collection is a form of activism through clothing, with each stitch and cut telling a socio-political narrative. Her designs are effectively installations, created to prompt dialogue and encourage action.
At the root of your collection is a message, what was the catalyst for this project?
When I began researching for my project and collection, I was given the chance to interview two in- credible women from Anta, Peru, who had experienced sterilisation in a very violent way. At the end of this conversation I asked them what they wanted to obtain from their continued struggle, and they both said, ‘We want everyone to know what happened to us, all of us. We don’t want this to hap- pen again.’ For me, this was the trigger to create something that could inform people about what had occurred. Connecting with diverse audiences and contexts to spread a message highlighting the need to respect human rights and be engaged in the strength- ening of citizenship.
The idea of constraint and boundaries runs through your collection, what constraints do you find you encounter as a designer?
The fact that fashion design is primarily associated, almost exclusively, to aesthetical analysis, creates a strong barrier when it comes to expressing a garment’s agency. The political implications of my project are, in a sense, another constraint. There is a lot of fear in the reactions of people towards my project, a fear that is still present in Peruvian society to- day when it comes to presenting works that promote the debate and analysis of certain contempo- rary social and political issues.
The collection incorporates a number of printed imagery on the garments, many of which are deeply haunt- ing. Could you explain the reasoning behind these images for us?
A photograph by French photographer Pierre-Yves Ginet who in 2006 pro- duced a beautiful visual documentation of a case named, ‘The Dissident Woman of Anta’. He man- aged to capture a particular moment in which one of the victims who had been forcefully sterilized showed him the scars on her skin, the products of the surgi- cal intervention. This image opens a space for indigna- tion, beauty, innocence, empowerment, and mem- ory. He kindly accepted my request to use his image as one of the prints for three pieces of the Articulo 6 collection.
Complete the sentence: the Parsons MFA is – The space where I re- discovered how deeply engaged I was with an interdisciplinary approach to fashion design, practice and research.
24/08/2010
Pura actitud
Publicado en: Caras - Perú
Antes de partir a Nueva York para estudiar en Parsons, Lucía Cuba nos muestra en exclusiva la nueva colección de su marca LUCCO.
19/09/2012
Perú en el ojo de Gaga
Publicado en: LA VIDA DE SERENDIPITY
Otra vez Gaga… sí, pues, otra vez Gaga. Pero un ratito, esta vez es algo que tiene bastante qué ver con nosotros y con nuestra historia, así que tomémonos momento para analizarlo.
La aman, la odian, la quieren ver, la quieren ver muerta, la critican y la alaban. Lady Gaga despierta todo tipo de emociones en nosotros pero si hay algo que tenemos que admitir es que, copia o no, es un ícono de moda y estilo. Dentro de todo el mundo que ha construido a su alrededor una de sus principales preocupaciones ha sido trasmitir mensajes de tolerancia y aceptación. Es así que ha logrado imponer una clara y revolucionaria tendencia, la tendencia de la unicidad (o uniqueness en inglés) que ha llegado a pasarelas como la de Dolce&Gabana Spring 2013 al utilizar hombres comunes (no modelos) de una villa Siciliana. Precisamente debido a cosas como esta, no podemos ignorar su importancia en cuanto al peso de su opinión respecto a temas controversiales.
La moda para Gaga, más allá de un producto, es una forma de comunicar y dar a entender sus puntos de vista, es activismo. Es por esto que la hemos visto vestir todo tipo de outfits cargados de significado, como también algunos cargados de concepto, tendencia pura. Desde carne cruda hasta llegar en un huevo a una premiación, Gaga siempre tiene algo qué expresar.
Esta vez, aunque muchos de nosotros no lo sepamos – lo cual es ciertamente una lástima – Gaga puso la mirada en la polémica peruana. Es importante que antes de seguir con el acontecimiento, entendamos la profundidad de la moda como medio de expresión, la moda como algo que va más allá de las pasarelas y del glamour que se nos presenta mediante eventos y otras actividades relacionadas a la industria. Es importante que entendamos la moda como un fenómeno social, un fenómeno social tan complejo que sociólogos, psicólogos, antropólogos y diferentes especialidades tratan de explicar y entender hasta el día de hoy mediante enfoques cada vez más diversos. Es bonito, sí; es llamativo, sí; pero es momento de que dejemos que pensar y entender a la moda como un elemento superficial, frívolo y decorativo de la sociedad y la veamos como algo inherente a la comunidad humana. Hay una frase de Anna Wintour, editora de Vogue, que es algo así: “Si se observa una fotografía de moda fuera de contexto, esta te puede decir tanto sobre lo que está pasando en el mundo en ese momento como un encabezado del New York Times”.
Pero no nos pongamos muy densos. Vayamos al grano. La diseñadora y socióloga peruana Lucía Cuba (foto de arriba), presentó una colección que pretende informar sobre la vejación de derechos humanos por parte del régimen fujimorista. La colección presentada en el NYFW lleva el nombre de “Artículo 6: Narrativas de género, fortaleza y política”. En dicho artículo se lee:
“Toda persona tiene el derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia, incluyendo los naturales, y a recibir, con carácter previo a la prescripción o aplicación de cualquier método anticonceptivo, información adecuada sobre los métodos disponibles, sus riesgos y contradicciones.
Para la aplicación de cualquier método anticonceptivo se requiere del consentimiento previo del paciente. En caso de métodos definitivos, la declaración del consentimiento debe constar en documento escrito”.
Sin embargo, la colección no termina en lo visual. Está conformada por 34 prendas y 12 acciones que incluyen material audio visual, conferencias, talleres y performances. Las técnicas utilizadas en la confección son mixtas, pero la concepción de éstas va un poco más lejos. Las pretinas van a la cintura envolviéndola y presionándola mientras se lee la descripción del procedimiento de esterilización. Todo gira alrededor de la pollera andina y una reinterpretación de ella. Artículo 6 presenta testimonios de las víctimas de tan atroz crimen, fragmentos de discursos políticos, investigación de documentos y leyes así como todo tipo de imágenes e información referidos al tema.
Con un vestido de mangas largas y falda plegada que llevaba impreso extractos el Artículo 6 de la ley general de la salud del Perú, Gaga se presentó a dar una entrevista en MTV por el lanzamiento de su perfume Fame. Gaga eligió varias piezas de la colección para utilizarlas en diferentes apariciones públicas. Fueron días después del desfile que Nicola Formichetti y Brandon Maxwell, ambos encargados de la imagen de Gaga, se comunicaron con la diseñadora para solicitar las prendas.
Para la mujer indígena no tener capacidad de procrear significa haber sido arrebatada de la tierra. Esterilizar a una mujer andina es amputarla dentro de sus propias creencias, negarla y desterrarla a la culpa de no poder ofrendar nada a la madre que le dio todo y ésta es la misma tierra sobre la que continúa viviendo, siendo estéril y poco a poco como una errante que no volverá a ser igual al resto de las mujeres. Habrá perdido su cosmovisión mágica y su cuerpo habrá sido derrotado.
Muchos criticarán la frivolidad y la desesperación de la artista por llamar la atención; sin embargo tenemos que agradecer el hecho de un tema de tanta relevancia nacional se ponga en la mesa de discusión de diferentes países y que logre crear una conciencia sobre lo que pasó en nuestro país de modo que las generaciones que están por venir estén la tanto de estos excesos y abusos, y atentos a que no se vuelvan a repetir.
08/07/2014
La nueva moda latinoamericana: 4 diseñadores emergentes
Publicado en: REVISTA CODIGO
Pensar que la moda solo tiene protagonismo en las capitales de la moda sería omitir la aparición de nuevas ideas concebidas en América Latina. En la región existe un importante quehacer artesanal que, acompañado de la visión actual de las nuevas generaciones de diseñadores de moda, surge como una nueva perspectiva de la industria de la moda.
Las propuestas latinoamericanas han llegado como un parteaguas general que invitan a la reflexión sobre la sociedad, la cultura y el ambiente. Hemos seleccionado a cuatro diseñadores jóvenes que exploran sus raíces bajo un manto creativo que no podrá pasar desapercibido.
Lucía Cuba (Lima, Perú, 1980)
La crítica política no se deslinda del trabajo de Lucía Cuba. Estudió Diseño de Moda en Centro de Altos Estudios de la Moda (CEAM) y Psicología Social y Salud Pública en la Universidad Peruana Cayetano Heredia (UPCH). La combinación de disciplinas creativas y teóricas es un elemento sustancial en la personalidad de Cuba, quien a su vez la interpreta en colecciones con preocupaciones sociales y políticas. Más allá de la moda, Lucía profundiza en todos los aspectos que giran alrededor de ella, trabajando sobre el diseño, los cortes, los materiales y el concepto para crear piezas provocadoras y polémicas. Asimismo, la colaboración artesanal textil es uno de sus pilares, pues como parte de la cultura peruana, es un elemento obvio que debía rescatar. Sus colecciones son fácilmente reconocibles y no solo se quedan en Perú, también ha ahondado en temas internacionales de interés político y los ha presentado en Nueva York, por ejemplo. Sus proyectos también abarcan el arte audiovisual, la instalación y la fotografía, todos bajo la perspectiva de la crítica social.
14/07/2014
Designing Agents of Change
Publicado en: THE NEW SCHOOL
For Lucia Cuba, fashion design isn’t just about aesthetics; it’s about social justice. Since 2012, the activist/designer has been combining the two disciplines in her project Artículo 6, which addresses the forced sterilizations implemented by Alberto Fujimori in Peru between 1996-2000. Using testimonies from the policy’s victims, political speeches, documents, and laws printed on textiles as the raw materials for garments, Cuba’s designs are further developed in installations, meta-garments, performances, workshops, videos and photography. Through the project, the Parsons Fashion Design and Society MFA graduate is shedding light on an injustice through her own style of socially conscious art, which she nurtured while here at The New School.
Originally hailing from Lima, Peru, the Fulbright Scholar came to New York in 2010 to study in the Fashion Design and Society MFA program’s inaugural year. For Cuba, Parsons was a unique “community of people with diverse educational and cultural rituals” that never failed to impress her. “I had the chance to meet really amazing people that also understood fashion design from a broader and interdisciplinary perspective,” she says. “The biggest takeaway from my experience at Parsons,” the distinguished alumna explains, “is to be persistent and even more consistent in what I consider valuable.”
Interdisciplinary, complex, and socially conscious only scratch the surface when it comes to describing Cuba’s work as a fashion designer and artist. With four degrees in hand (including two masters and a doctorate), Cuba’s intimate knowledge of body, gender and bio-politics run vibrant in her designs and exhibitions. For her, challenging the status quo and calling attention to social issues with designs is not just important, it’s a way of life.
“I am constantly challenged by the very present and unfortunate idea that fashion design cannot contribute to society, or have a great social dimension and impact,” says Cuba. Combating this notion, Cuba considers her garments as agents of change, sparking dialogue on politics and society in ways that traditional media cannot.
For more information on Lucia Cuba and her work, please visit her website: http://www.luciacuba.com/. Several of Cuba’s Artículo 6 designs will be featured in an upcoming November exhibition entitled, “New Territories” at the Museum of Arts and Design in New York.
07/08/2014
Un manifiesto político de la moda
Publicado en: Revista Cosas Peru
Ella ha derrumbado todos los prejuicios de la industria. De la mano de Lady gaga, su colección sobre las esterilizaciones forzadas durante el gobierno de Alberto Fujimori trascendió fronteras. Ahora, galardonada con el prestigioso Premio Han Nefkens, la diseñadora peruana prepara una seria de prendas que exhibirá en Róterdam, esta vez inspiradas en las distintas visiones de la salud frente al problema del cáncer.
18/02/2009
Fashion sector can enormously stimulate economy in Latin America
Publicado en: KRACHTBVANCULTUUR
According to many experts, we are currently experiencing a transition in which traditional and concrete types of economic production are being replaced by less tangible processes like branding and creative labour. A United Nations research committee recently published a report that indicates that culture currently represents ten percent of the global product. The cultural sector, which is largely related to the relaxation and tourist industry, therefore appears to be able to translate creativity into innovative products, services and processes that generate economic development and improve the competitive position. This puts this sector in a key position in formulating policy to stimulate economic creativity and innovation.
As a creative sector, the fashion industry can play a vital part. Fashion is not only clothing: it is identity, attitude and socio-cultural communication. IN-MOD has therefore been inviting Brazilian designers, entrepreneurs, journalists and scholars to discuss the role of fashion and design in rising creative economies during the São Paulo fashion weeks since 2007.
Lucia Cuba, Peruvian fashion designer and consultant, was invited by IN-MOD to participate in the latest discussion in January 2009. “The idea of linking creativity to the formal economy is an interesting starting point, and one that is new to many Latin American countries. Fashion and design can enormously stimulate our economies, just as gastronomy is currently doing in Peru. This does, however, require professionalisation and diversification of both the products and the production processes, as well as the relevant knowledge and reflection. Brazil is proving that Latin American designers have more to offer than woven alpaca rugs and pseudo-European fashion. We can learn much from one another. It is for this reason that I have invited the director of IN-MOD to a return visit to the Peru Fashion Week that will soon be held in Lima”, says Cuba.
08/08/2014
Lucia Cuba
Publicado en: PICNIC.CO
La definición de arte se entiende como cualquier actividad o producto que se realice con un fin estético o comunicativo, en el cual los sentimientos, ideas, puntos de vista acerca de un tema o simples divagaciones, toman forma de manera plástica, multimedia, sonora y ahora con los nuevos recursos que sirven de herramientas para la elaboración de dichas ideas (como la instalación, el performance, videoarte, animación, etc), el arte abarca gran parte de nuestra sociedad, del mundo al que pertenecemos. La moda como expresión artística no es novedad, conocemos colecciones basadas en movimientos pictóricos, en técnicas, teorías de color, movimiento, texturas, pintores, escultores, perteneciendo siempre a un contexto histórico de tiempo y espacio. Lucía Cuba aborda en cada pieza una estética que juega con ritmos y un medio en el que expresaba a la perfección el descontento de la forma de gobierno de Alberto Fujimori. “Artículo 6″ es el nombre de la colección que engloba toda una lucha y la voz de mujeres que no podían expresarse, un artículo en el que se dictaminaba que cada persona era libre de elegir el método de anticoncepción de su preferencia, debido a las esterilizaciones forzosas en mujeres durante el periodo de 1996 al año 2000 (texto que vine impreso en una de las prendas). Con 36 piezas y con testimonios que ayudaron a aterrizar la propuesta plástica, la colección forma parte de un conjunto de actividades visual-plástico-culturales que se realizan a la par. Cuba está involucrada en el activismo y su preocupación por la estabilidad cultural empezando por Perú, dieron como resultado “Proyecto Gamarra” que tiene como principal objetivo sensibilizar a la comunidad que se desenvuelve dentro del diseño, el arte y la gente en general, replanteando sus principios en una ecología que sustente las ciudades, un lugar de referencia para la creatividad, un intercambio entre culturas, un equilibrio. Los diseños de Cuba han sido usados por Mario Vargas Llosa, Lady Gaga, entre otros. Aquí los vestidos de Lucía son muestras de una inconformidad mayoritaria, son el símbolo de libertad y de expresión, de esa lucha inconstante por defender los derechos humanos, por hacerse notar, por hacer pública una situación que no todos conocen, por buscar una equidad, ¿El medio? UN VESTIDO, ¿La salida? UNA PASARELA. El vínculo entre el arte, la moda y la situación social, cultural y política se ven reflejados en su trabajo final. Este mes Cuba lanzará “ICO”, plataforma independiente de diseño y moda. – See more at: http://picnic.co/lucia-cuba/#sthash.STQtoE5q.dpuf
29/07/2014
La moda como práctica política
Publicado en: REVISTA CODIGO
En 2012 una diseñadora de moda y científica social atrajo la atención de la prensa internacional en la Semana de la moda de Nueva York. Su nombre es Lucía Cuba (Lima, Perú, 1980). Entonces, presentó la colección Artículo 6, Narrativas de género, fortaleza y política, que asombró a algunos por el peso y la belleza de sus volúmenes, estructurados en múltiples capas y ataduras en blanco, amarillo mostaza y borgoña. Pero sobre su estética había algo más qué decir. Las prendas inspiradas en la vestimenta andina eran sólo un medio para criticar decididamente la violencia ilegítima del gobierno del expresidente Alberto Fujimori.
Pero, ¿por qué Cuba querría recordar entonces, y de esa forma, las acciones del mandatario? Un año antes una de las candidatas en la contienda electoral fue la hija del exdictador. Entonces, los medios críticos señalaron un caso pendiente: las esterilizaciones forzadas a mujeres, llevadas a cabo durante su gestión, en el período de 1996-2000. Fue entonces cuando la diseñadora conoció la indignación que le motivaría a urdir el entramado de Artículo 6, nombre que correspondía, precisamente, al artículo constitucional que dictamina que todas las personas tienen derecho a elegir el método anticonceptivo de su preferencia. Los testimonios de las mujeres que vivieron los hechos ayudaron a Cuba a construir las 34 prendas de la línea (el texto legal se imprimió sobre algunas prendas), como una de las aristas del proyecto multimedia, aún en curso, conformado por 12 acciones desarrolladas a través de cine, instalaciones, sesiones de fotos, lecturas, talleres, performances y, sobre todo, el entendimiento de la prenda como meta-prenda.
El vestido es discurso. El vestido siempre ha definido la distinción entre clases sociales, pero en casos excepcionales (pensemos en Rei Kawakubo, en Walter Van Beirendonck, en Otto Von Busch) como en los que se pueden situar los diseños de Cuba, el vestido es protesta, es informativo, hace preguntas y expresa la búsqueda de libertad. Las prendas de Artículo 6 representan la uniformización y militarización de las políticas públicas en Perú.
Aunque poco se habla en la prensa especializada sobre la moda peruana, Cuba intentó fortalecer la comunidad de diseñadores independientes de su país. A finales de 2013 emprendió Objetos/Sujetos, una plataforma de intercambio y exploración sobre la agencia del vestuario y los objetos de la moda a través de diálogos abiertos y diseño paralelo. El ejercicio le haría observar, como mencionaría posteriormente a The Genteel, que la emergencia del diseño de moda independiente en Latinoamérica inicia y reacciona ante sus respectivos cambios políticos. No obstante, sostuvo que desde hace 30 años los creadores de la disciplina se han enfocado más en el diseño textil que en el diseño de moda, lo que, en su opinión, apunta a la necesidad local de fomentar igualmente ambas prácticas, así como de aumentar la producción de teoría e investigación del tema.
Ya en 2009 ensayaba con prendas que reflejaban sus preocupaciones sobre el entorno peruano. Entonces, la diseñadora creó Proyecto Gamarra, una idea en torno al diseño y al activismo que tuvo como objetivo sensibilizar a los diseñadores, estudiantes, empresas, vecinos, autoridades locales y consumidores sobre la importancia del Emporio Comercial de Gamarra (un lugar de gran movimiento comercial, principalmente relacionado a la industria de moda y textil, ubicado en al distrito de La Victoria en Lima, Perú) como algo más que un conglomerado industrial. El replanteamiento llevaba a la interpretación del lugar como una ecología urbana, un lugar de creatividad y un espacio de confluencia de identidades culturales.
La relación de la diseñadora con figuras tanto literarias como políticas de su país se hizo evidente ese mismo año, cuando confeccionó un traje de papel reciclado para Mario Vargas Llosa, quien lo usó al recibir el nombramiento como embajador de reciclaje de una campaña nacional. Quizás no sea menos importante mencionar que, cuando recién fueron reveladas las prendas de Artículo 6, Lady Gaga vistió una durante una transmisión internacional.
Las bases del trabajo de Cuba son inherentes a su enfoque interdisciplinario, proveniente de sus estudios en psicología y su doctorado en salud pública por la Universidad Peruana Cayetano Heredia. En 2010 recibió la beca Fullbright y posteriormente se graduó de la Maestría en Diseño de Modas y Sociedad de Parsons, The New School for Design, en Nueva York. Han sido varias las muestras que exponen, detrás del proceso de diseño, las lecturas e interpretaciones sociales de la diseñadora. Así, sus creaciones se ven embargadas por la conciencia histórica y política de su entorno.
En agosto Cuba presentará Ico, su nuevo proyecto que, de acuerdo con información de su sitio web, será un laboratorio crítico de objetos, así como una plataforma independiente de diseño y moda.
02/10/2014
Iberoamérica emergente: 10 diseñadores
Publicado en: REVISTA CODIGO
La moda iberoamericana tiene poca visibilidad en los medios de comunicación. Pero existe una generación emergente que se está abriendo paso a través de estéticas sugestivas que toman en cuenta los contextos sociopolítico, económico y cultural en los que se inscriben. Revisamos 5 territorios, México incluido, donde se pueden apreciar las jóvenes promesas de la disciplina.
Perú
El trabajo de Lucía Cuba (Lima, 1980) fusiona magníficamente la crítica política, el arte y las iniciativas sociales. Desde sus primeras prendas esta diseñadora ha tenido claro que las vestimentas son un poderoso instrumento para transmitir mensajes trascendentes y no sólo deben ser concebidas como imágenes icónicas.
Cuba también organiza talleres e instalaciones, con el objetivo de invitar al público a cuestionar el lenguaje de la moda. Su historial académico es deslumbrante. Estudió Salud Pública y Psicología, disciplinas que influyen en su quehacer como diseñadora. Una de sus entregas más recientes, Artículo 6, ganó el Premio de Moda en la Bienal de Diseño Iberoamericano en 2012. Junto a ésta, Proyecto Gamarra (2011) propone el activismo desde la moda. Al lado de creadores como Viktor & Rolf y Craig Green, en octubre de este año
Cuba presentará su trabajo en la exposición The Future of Fashion is Now en el museo Bojimans Van Beuningen en Róterdam. Posteriormente participará en una exhibición en el Museum of Arts and Design (MAD) en Nueva York.
11/10/2014
Museo Boijmans: "El futuro de la moda es ahora"
Publicado en: Espectador.com
Más de cincuenta diseñadores de 28 países exponen desde hoy sus trabajos en la muestra “El futuro de la moda es ahora”, con una visión crítica e innovadora que retrata el actual mundo de la moda y el papel que juega en nuestra sociedad.
La exposición recoge trabajos de diseñadores reconocidos como Viktor&Rolf (Holanda), Hussein Chalayan (Chipre) o Commes des Garçons (Japón), pero también obras de jóvenes talentos como Craig Green (Reino Unido), Rejina Pyo (Corea del Sur) o Lucía Cuba (Perú).
“Se trata de un proyecto que une arte y moda, y muestra la cercanía entre estas dos disciplinas a través del trabajo de 58 diseñadores de todo el mundo”, dijo el director del Boijmans, Sjarel Ex, al presentar la muestra.
Explicó que son trabajos que “provienen de los cinco continentes y que muestran las diferentes culturas del mundo al tiempo que reflexionan sobre las problemáticas del presente”.
“El futuro de la moda es ahora”, que reúne los trabajos más representativos de la nueva generación de diseñadores de moda, está estructurada en torno a cuatro ámbitos o ejes temáticos que son “Materialidad y experiencia”, “La (re)definición de la figura humana”, “Nuevos valores y nuevas historias” y “Activismo de la moda: Comunidad y Política”.
Sin embargo, “existen elementos en común entre todos los diseñadores presentes en la exposición” como son “el uso de las nuevas tecnologías, la consciencia y preocupación social, la exploración de los límites de la moda o la visión futurista del mundo”, explicó por su parte la comisaria José Teunissen.
“Todos los diseñadores forman parte de una nueva generación de diseñadores de moda que exploran los límites de esta disciplina, se preguntan cuál es su valor en la sociedad y exploran nuevas formas de relevancia, aquello que la moda podría ser”, añadió.
Estos puntos en común explican el título de la exposición; “son la respuesta a por qué el futuro de la moda es ahora”, indicó.
La exposición no trata, sin embargo, sobre los diseños típicos o ropa que se encuentran en la calle, ni pretende mostrar al hombre o la mujer ideal, más bien al contrario, explicó el patrocinador y uno de los principales impulsores del proyecto, Han Nefkens.
“Los diseñadores de esta exposición nos cuentan una historia, quieren explorar sobre algo nuevo porque la moda es algo más que el traje o el vestido con el que nos vestimos”, señaló.
Nefkens, además, junto con un jurado internacional formado por la comisaria de la exposición, José Teunissen, el dúo de diseñadores Viktor&Rolf y la editore de Vogue en Holanda, Karin Swerink, han sido los encargados de seleccionar entre más de 30 proyectos, los seis diseñadores que han recibido el premio “Han Nefkens Fashion on the Edge”.
Son seis jóvenes talentos que han realizado piezas exclusivas que se muestran por primera vez en la exposición como “Ejercicios en salud” de la diseñadora peruana Lucía Cuba.
“Ejercicios en salud recoge la experiencia de cuatro personas que se han confrontado a la salud porque han sido diagnosticadas con cáncer y lo que ellas se cuestionan”, dijo Lucía Cuba a Efe.
“Quiero reflexionar sobre la relación entre la salud y las personas de a pie, cuales son las distancias entre nosotros y las posibilidades que tenemos para prevenir la enfermedad y concretamente para pensar en salud en lugar de pensar en enfermedad”, explicó.
La diseñadora peruana apuntó a que “estas cuatro historias, por más que representen a cuatro casos personales, están hablando de una problemática global, mundial”.
“Me gustaría pensar que la moda, las prendas de vestir pueden generar espacios también para pensar un poco más allá y reflexionar sobre la condición de salud, una problemática común a la condición humana”, añadió sobre su trabajo en esta muestra que puede visitarse hasta visitarse hasta el 18 de enero de 2015. EFE
11/10/2014
El Museo Boijmans inaugura la exposición "El futuro de la moda es ahora"
Publicado en: EFE
Más de cincuenta diseñadores de 28 países exponen desde hoy sus trabajos en la muestra “El futuro de la moda es ahora”, con una visión crítica e innovadora que retrata el actual mundo de la moda y el papel que juega en nuestra sociedad.
La exposición recoge trabajos de diseñadores reconocidos como Viktor&Rolf (Holanda), Hussein Chalayan (Chipre) o Commes des Garçons (Japón), pero también obras de jóvenes talentos como Craig Green (Reino Unido), Rejina Pyo (Corea del Sur) o Lucía Cuba (Perú).
Fotografía de uso editorial facilitada por el Museo Boijmans Van Beuningen, de la exposición “Ejercicios en salud” de la diseñadora peruana Lucía Cuba, que recoge la experiencia de cuatro personas que se han confrontado a la salud porque han sido diagnosticadas con cáncer, y que forma parte de la muestra “El futuro de la moda es ahora”, en la que más de cincuenta diseñadores de 28 países exponen desde hoy sus trabajos con una visión crítica e innovadora que retrata el actual mundo de la moda y el papel que juega en nuestra sociedad. EFE/Tony Robles
25/10/2014
Caso de Esterilizaciones Forzadas llega a Nueva York
Publicado en: DIARIO 16
Peruana Lucía Cuba presenta proyecto sobre diseño y derechos humanos
Por primera vez en Estados Unidos se realizará una exposición que brindará una importante perspectiva sobre diseño en la región. Se trata de “Nuevos Territorios: Laboratorios de diseño, artesanía y arte en América Latina" que se llevará a cabo en el Museo de Artes y Diseño de Nueva York. Y nuestra compatriota Lucia Cuba, diseñadora e investigadora, es la única peruana invitada al evento, donde mostrará al mundo el proyecto “Artículo 6”, que informa sobre los casos de esterilizaciones forzadas ocurridos en el Perú entre el 1996 y 2000.
Esta exposición incluirá una selección de más de diez piezas de vestuario y accesorios de Lucia Cuba que exploran temas de género y derechos humanos. Es que además de ser un proyecto de diseño, “Artículo 6” también busca visibilizar el caso de las esterilizaciones forzadas realizadas durante el gobierno de Alberto Fujimori. Por ello, el nombre del proyecto hace referencia al Artículo sexto de la Ley de Salud del Perú, que establece que “todas las personas tienen derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia y a recibir información adecuada sobre los métodos anticonceptivos disponibles y sus riesgos”
En el proyecto se utilizan los testimonios de las personas afectadas, discursos políticos, legislatura y documentos de investigación. Toda la información es presentada en doce importantes acciones, que se desarrollarán a través de las instalaciones, meta-prendas de vestir, performances, talleres, videos y fotografías.
El dato: La muestra estará abierta al público del 4 de Noviembre del 2014 al 6 de Abril del 2015 en el MAD
09/11/2014
La moda de hoy y del mañana ¿Glamour o denuncia?
Publicado en: El Sol de México
ÁMSTERDAM, Holanda.- Diseñadores de moda de todo el mundo han cambiado su enfoque hacia sus creaciones. Ya no solo se trata de glamour, sensualidad o elegancia, como bien pudo haber sido el objetivo antes.
Hoy la conciencia social y los nuevos materiales, junto con la facilidad de comunicación a nivel global, han llevado a los diseñadores a romper paradigmas y a usar la ropa como medio para hacer denuncias incluso políticas. Para ellos su imaginación es el límite ya que la tecnología está disponible.
Esto es lo que vemos en la exhibición “El futuro de la moda es ahora”, que estará abierta al público hasta el 18 de enero de 2015 en el Museo Boijmans van Beuningen en Rótterdam.
“Su génesis”
Como nos compartió Han Nefkens (Rótterdam, 1954), un verdadero mecenas contemporáneo, todo empezó hace 10 años con unos vestidos muy llamativos que formaban parte de la decoración de la Conferencia Internacional sobre el SIDA en Bangkok. Cuando se acercó a verlos se percató que estaban hechos de condones pintados. Su espíritu de coleccionista nunca se había dirigido a la moda, pero estos atuendos le llamaron tanto la atención que compró siete y los envió al Museo Central de Utrecht en calidad de préstamo a largo plazo.
Aquí debo hacer un paréntesis para hablarles de este hombre de aspecto sencillo y afable. Para él, compartir es el antídoto para la soledad; lo hace a través de sus proyectos de arte, sus iniciativas contra el SIDA y escribiendo. Estudió periodismo en Francia y Estados Unidos y trabajó como corresponsal de radio en México durante once años. Su vida dio un giro total en 1987 cuando descubrió que era VIH-positivo. En 2001, recién llegado a vivir a Barcelona, el virus le atacó el cerebro; tuvo que volver a aprender a hablar, a leer, a escribir, a comer y a caminar. Dado que el arte lo ha ayudado a superar sus momentos difíciles, decidió comenzar la Colección H + F de arte contemporáneo (las iniciales de su nombre y el de Felipe, su pareja desde hace 36 años) cuyo objetivo es colocar todas sus adquisiciones en calidad de préstamo a largo plazo en diversos museos de Holanda y el extranjero. En 2006 creó Art AIDS, una fundación que utiliza el arte con el fin de aumentar la conciencia sobre el VIH/SIDA y mejorar la vida de las personas que viven con él. Ha escrito varios libros, pero solo uno está traducido al español: “Tiempo prestado-Noticias de un país lejano”. Si quiere conocer más sobre los proyectos de este hombre comprometido con la sociedad en distintos niveles, visite las webs: www.fundacionhannefkens.org/es/, www.hfcollection.org y www.artaids.com
Retomemos el hilo de la narración. La compra de los vestidos en Bangkok fue su entrada a conocer el mundo de la moda. Ahí descubrió que todos los diseñadores pasan apuros financieros para crear piezas fruto de su inspiración, pero que no tienen salida comercial. Así que decidió ayudar a algunos de ellos a cambio de quedarse con un modelo que poder exhibir en alguno de los museos con los que colabora. “Lo que encuentro fascinante de estos proyectos es la cantidad de fantasías extraordinarias que bullen en las mentes de tantos diseñadores. Quiero verlas. Quiero ayudarles a hacerlas realidad”. Así nació la exhibición “El arte de la moda” que se presentó en el Museo Boijmans en 2009 y también la que hoy nos ocupa. Con un entusiasmo contagioso, Han Nefkens nos describió el proceso de selección de los artistas de todo el mundo, realizado en conjunto con la especialista en moda José Teunissen. Para conocer más visite http://futureoffashion.nl/
“La exhibición”
Cincuenta y seis diseñadores de 28 países, de India a Japón, de Corea a Polonia, de Israel a Australia y de México a Argentina, tienen un espacio en “El futuro de la moda es ahora”. Con sus creaciones nos llevan al mundo de la tecnología aplicada a la indumentaria o nos invitan a preguntarnos qué rol juega la ropa en el hombre y en la sociedad. Si entra a esta exposición con curiosidad y capacidad de asombro no saldrá defraudado. Tiene que mirar con detenimiento cada pieza para descubrir su riqueza conceptual y creativa.
De ropa tejida con agujas usando papel de baño como hilo, o para tal caso también con periódicos y revistas, a sacos que se iluminan de distintos colores según el estado anímico de quien lo usa. De ropa que se desintegra a capullos diseñados para usarlos como pijama para dormir cómodamente en cualquier lugar, con privacidad. La variedad es increíble, por lo que me es imposible mencionárselos todos, así que seleccioné los siguientes:
¿Se le ha acabado alguna vez la batería del celular? Si usa un vestido o un abrigo diseñados por la holandesa Pauline van Dongen (1986) ese problema quedará solucionado. Les cosió 48 y 72 paneles solares, respectivamente, que se pueden conectar a su teléfono y en menos de dos horas lo tendrá cargado, partiendo de que usted esté sentada o caminado en una zona con Sol. Pero también puede aprovechar la energía que acumulan para, literalmente, encender las luces de su atuendo y que la vean en la oscuridad de la noche. ¡Seguridad adicional, sobre todo si se mueve en bicicleta! Su web: www.paulinevandongen.nl
Tuve oportunidad de entrevistar a Lucía Cuba (Perú, 1980), una joven menuda de grandes convicciones. Con un doctorado en salud pública y un master en diseño de modas, combina sus dos pasiones en sus creaciones. Entre otros premios, este año ganó el Han Nefkens de Moda. Aquí trajo un conjunto de prendas de vestir tejidos en telar, con colores y bordados, que forman parte de su proyecto “Ejercicios en Salud”. A través de ellas, de manera simbólica, cuenta la historia de cuatro personas enfermas de cáncer, sus miedos, sus dolores, sus esperanzas… sus vivencias. Como ella dice, su objetivo es “…disparar conversaciones, que la prenda y la moda se conviertan en recursos viables para comunicar historias y reflexionar sobre distintos temas”. Muy interesante su visión. Su web: www.luciacuba.com
“La Constancia dormida” es una obra de la mexicana Tania Candiani (1974). Esta polifacética artista está fascinada con la conexión entre los lugares y la vida. Este proyecto lo hizo en un almacén de la abandonada fábrica textil La Constancia en Puebla. Cada día durante un mes creó un vestido diferente. Además, en un rollo de 400 metros de tela, bordó a máquina los pensamientos y reflexiones que tuvo, pensando en los obreros que ahí trabajaron. Su web: www.taniacandiani.com
Lucy + Jorge Orta (Reino Unido, 1966 y Argentina, 1953) presentaron “Nexus Arquitectura x 25”, un conjunto de 25 overoles interconectados por tiras de la misma tela. Esta “escultura social” crea una cercanía inusual entre quienes la visten sin importar religión, sexo, edad o condición social y cuestiona la interdependencia por ser parte de ella. ¿Se pierde la individualidad y la humanidad dentro del colectivo? Este atuendo (reuniendo más o menos personas) se ha usado ya en manifestaciones en distintas partes del mundo. La web de esta pareja: www.studio-orta.com
La lluvia deja su huella en la ropa y las mascadas de Aliki van der Kruijs (Holanda, 1984). Prepara piezas de seda natural con una ligera capa de tinta, las acomoda en la azotea de su taller y espera que las nubes hagan el resto. Todas son piezas únicas. Con estas telas ella hace mascadas, vestidos y blusas. Su web: www.alikivanderkruijs.com
¿Se ha sentido solo en algún momento de su vida? Eso le sucedió a Si Leong Chan (China, 1989) mientras estudiaba moda en Londres. De ahí surgió su serie “Abrázame”, para resaltar la importancia y la necesidad de la cercanía afectiva. Sus modelos están hechos para usarse.
Encontré una tina donde flotaba un vestido negro impreso en 3D. Continuamente le cae una gota de ferro fluido en la cintura que se queda en la zona retenido por unos imanes. Pareciera que el vestido está creciendo, cambiando, pero esto es solo una ilusión óptica. Interesante observarlo. La obra es de la holandesa Iris van Herpen (1984) quien, además de hacer vestidos de alta costura, disfruta utilizando materiales nuevos. Su web: www.irisvanherpen.com
¿Se acuerda del cuento de hadas “El traje nuevo del emperador” (1837) de Hans Christian Andersen? Según el relato los diseñadores de la prenda aseguraban que tenía la propiedad de ser invisible para los estúpidos. El rey no quiso reconocer su falta de inteligencia y salió con su traje nuevo en un desfile por la ciudad… hasta que un niño gritó: “El emperador está desnudo”. Pues esta historia inspiró a Adele Varcoe (Australia, 1980) para hacer unos videos donde explora la relación entre la ropa, el lenguaje y la representación. Reproduce un desfile de modas de Coco Chanel durante el que la presentadora va describiendo las prendas que modelos desnudas simulan usar. No se lo imagine, véalo en: www.adelevarcoe.com/#!imagining-chanel/c13ea
¿Moda y biología? También combinan. Lo demuestra Carole Collet (Francia, 1969) con sus plantas que se reprograman a nivel molecular para que sean más ricas en vitaminas y nutrientes y que además sus raíces produzcan ¡encajes! Cuando paseaba por la exhibición me sorprendió que el espacio dedicado a esta artista no tuviera ningún modelo físico sino un par de fotografías, una de una planta de albahaca y la otra de una fresa. El común denominador era que sus raíces estaban tejidas como delicados encajes. ¡Mucho trabajo hacerlos!, pensé, pero nada más. Iba a pasar de largo cuando leí la descripción de la obra: "La población mundial está aumentando y necesitamos asegurar que habrá suficiente comida y vestido para todos… En la “biofábrica” de Colletse rediseñan plantas para que ayuden a cubrir ambas necesidades…". Interesantísimo el video que se presenta periódicamente (usted lo encuentra en: www.vimeo.com/52572656). Su web: www.carolecollet.com
“Cuatro secciones”
Estos atuendos y videos pertenecen a alguna de las cuatro secciones de la muestra: Materiales, Redefinición de la figura humana, Nuevos valores y Activismo: comunidad y política. Cada uno tiene una historia atrás y son fuente de inspiración para futuros diseñadores.
Si quiere conocer a algunos de los participantes en esta exhibición, visite: www.arttube.nl/en/ o baje la “app” Future of Fashion.
Para mayor información: www.boijmans.nl/en/ – See more at: http://www.oem.com.mx/elsoldemexico/notas/n3600945.htm#sthash.hcix0u2z.dpuf
17/11/2014
New Territories en NYC: América Latina y el diálogo entre diseño, arte y artesanía
Publicado en: DI-CONEXIONES
El diseño industrial, en el encuentro de las posibles formas tridimensionales, ha mantenido siempre una conexión con el arte y con la artesanía. De estos encuentros surgen, no solamente artefactos que sirven de testigos del diálogo, sino también nuevas relaciones con los actores otras áreas del saber. Especialmente en el trabajo con la artesanía, se necesita propiciar desde el diseño una dinámica llena de nuevos valores que, además de entender la mecánica instrumental, comprenda el trabajo con las comunidades de artesanos. Experiencias de diálogo se manifiestan hoy en toda Latinoamérica produciendo singulares e inesperadas respuestas.
En el MAD Museum of Art and Design (Museo de Arte y Diseño), de la ciudad de Nueva York, se inauguró el pasado 4 de noviembre la primera exposición colectiva dedicad al diseño contemporáneo latinoamericano que se hace en suelo norteamericano. New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America es una exposición que recoge el trabajo de más de 75 diseñadores, artistas, artesanos y colectivos, colaboraciones interdisciplinarias innovadoras y nuevas direcciones en la producción creativa que han estado ocurriendo en toda América Latina desde el año 2000.
“New Territories explores contemporary design and its confluence with art and traditional crafts in Latin America“
Esta iniciativa esta liderizada por la actual curadora del MAD Museum Lowery Stokes Sims y la acompañan un nutrido grupo de curadores: Adriana Kertzer, Marcella Echavarría, Susana Torruella Leval, Nessia Leonzini Pope, Mari Carmen Ramirez, Ana Elena Mallet, Regine Basha, Jorge Rivas Pérez y Gabriela Rangel. En el catálogo de la exposición aparecen textos de este grupo de curadores y los acompaña otros de: Blanca Serrano Ortiz de Solórzano, Nessia Leonzini Pope, Fabiana Lopes, Antonio Sánchez Gómez, Adélia Borges y Magdalena Grüneisen.
Pudimos asistir también, en la semana inaugural, a la presentación en un formato PechaKucha de algunos de los diseñadores participantes en la muestra. Un evento llamado New Directions: The Convergence of Design, Art and Craft in Latin America Today, donde el auditorio totalmente lleno pudo recorrer brevemente las historias menudas de algunos de los trabajos que están en sala y de otros proyectos, en voz de sus propios autores.
[…]
08/11/2014
New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America at MAD Museum
Publicado en: ARTS SUMMMARY
09/11/2014
What Chairs, Toys and Plates Look Like South of the Border
Publicado en: WNYC
A new exhibit explores how urbanization, sustainability and indigenous craft are translated into design in Latin America, surveying the creative transformation that has been occurring throughout the region since 2000.
The exhibit at the Museum of Arts and Design, called “New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America,” features more than 75 designers and collectives in several cities. In São Paulo and Rio de Janeiro, Brazil, for example, the works explore upcycling and repurposing, as local artists there are especially concerned with pollution and deforestation.
In Santiago, Chile, and Buenos Aires, Argentina, artists are experimenting with new ways of combining the heritage of Latin American crafts with new forms. Chilean designer Guillermo Parada’s group created a pottery printer made of wood and cloth instead of metal and silicon. The idea behind that is to reflect about the digital process," he said, but “without any computers.”
Lucia Cuba, a designer from Peru, created dresses that comment on the involuntary sterilizations that happened in her country.
Her outfits have long belts that wrap-around the waist to symbolize the tying of the Fallopian tubes. “And also the idea of being tied against your will to something or to some particular moment of your life,” she said.
The show is on view through April 6, 2015.
08/01/2015
Lucía Cuba le da voz y causa a la moda
Publicado en: CONTRASENTIDO
Lucía Cuba, diseñadora de moda, psicóloga y activista social, peruana de nacimiento, actualmente está presentando su colección Artículo 6, Narrativas de género, fortaleza y política, en el Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York.
Articulo 6 nace en el 2012 con el objetivo de sensibilizar a la población sobre las esterilizaciones forzadas que se llevaron a cabo durante el gobierno de Alberto Fujimori (1996-2000) en Perú. Durante este periodo más de 300,000 mujeres y 16,000 hombres fueron esterilizados en medio de las campañas masivas que se realizaron en todo el país con una meta: 150 mil mujeres debían ser esterilizadas al año, 12,500 cada mes, 17 cada hora. “La gran campaña de ligadura de trompas” otorgaba beneficios y reconocimientos a los médicos y personal de salud que participaba con ahínco para esta campaña.
Lucía Cuba a través de sus diseños da voz a los testimonios de las mujeres que vivieron estos hechos, la colección incluye 34 piezas (12 de ellas expuestas en este momento en Nueva York), creando con ello un canal de comunicación con la opinión pública. Esta protesta social se ha convertido en la materia prima para elaborar prendas de vestir y accesorios, algunas de las prendas llevan impreso el Artículo 6 del Segundo Capítulo de la Ley General de Salud del Perú que determina que:
Toda persona tiene el derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia, incluyendo los naturales, y a recibir, con carácter previo a la prescripción o aplicación de cualquier método anticonceptivo, información adecuada sobre los métodos disponibles, sus riesgos, contra-indicaciones, precauciones, advertencias y efectos físicos, fisiológicos o psicológicos que su uso o aplicación puede ocasionar.
También se han utilizado testimonios de las víctimas y fragmentos de discursos de políticos para recordar que para la aplicación de cualquier método anticonceptivo se requiere del consentimiento previo del paciente. En caso de métodos definitivos, la declaración del consentimiento debe constar en documento escrito.
Este movimiento encabezado por Cuba incluye 12 acciones, mismas que se desarrollan a través del cine, sesiones de fotos, lecturas, talleres y performances siendo la representación de la pollera andina el estandarte de este movimiento de apoyo a las víctimas de la uniformización y la militarización de las políticas públicas.
Artículo 6 busca informar sobre lo ocurrido en Perú en este periodo. Mantener el tema en la agenda pública para alcanzar a la justicia que sigue sin darse a las mujeres afectadas. Hace más de 15 años que se presentaron los primeros 2,074 testimonios de las personas víctimas de esterilizaciones forzadas.
La exposición en la que participa “Artículo 6″ se llama “Nuevos Territorios: Laboratorios de diseño, artesanía y arte en América Latina”, esta muestra estará abierta al público hasta el 6 de abril del 2015.
20/11/2014
El Artículo 6 de Lucía Cuba llega al Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York
Publicado en: QUINTA TRENDS
Han pasado dos años desde el lanzamiento y activación del proyecto de la diseñadora peruana Lucía Cuba, “Artículo 6: Narrativas de género, fortaleza y política” en el que busca sacar a la luz las esterilizaciones forzadas ocurridas en el Perú entre 1996-2000. En este periodo ha podido participar en pasarelas, instalaciones, editoriales de moda, entre otros, demostrando que el vestuario puede cumplir múltiples roles, entre ellos el de denuncia. Su participación en una exposición colectiva en el Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York es una prueba de este impacto. Hoy nos contará lo que significa para ella este hito, que le permitirá mostrar su trabajo en la Gran Manzaba hasta el 6 de abril de 2015.
Artículo 6 en el Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York
“La posibilidad de exponer una selección de obras del proyecto más de 12 piezas de vestuario y accesorios en una plataforma tan importante como el Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York es sumamente gratificante porque supone una gran oportunidad para ampliar la conversación respecto al caso de violación de derechos humanos que el proyecto aborda, y a generar nuevas conversaciones sobre género, derechos sexuales y reproductivos, así como reconocer el valor del uso del vestuario como agente de cambio, concibiendo al diseño y a la moda como estructuras de base y como canales de comunicación.
Esta muestra comprende a su vez una selección de obras de 75 artistas y diseñadores de todo Latinoamérica, dentro de los que el proyecto es el único que participa desde Perú lo que también considero como un gran reconocimiento y responsabilidad frente a la calidad e impacto del trabajo expuesto.
Espero que entre el 2015 y 2016 el proyecto pueda volver a activarse, esta vez en Perú en donde planeo una muestra de gran envergadura de ‘Artículo 6’ que incluirá todas las obras e impactos desarrollados desde su lanzamiento".
Artículo 6 en el New York Fashion Week 2012
La exposición en la que participará “Artículo 6” se llama “Nuevos Territorios: Laboratorios de diseño, artesanía y arte en América Latina" y constituye una importante panorámica del diseño en la región y la primera de su género en un museo en los Estados Unidos. La muestra estará abierta al público hasta el 6 de abril del 2015 para que la agenden si visitan New York en los próximos meses.
05/02/2015
Lucia Cuba: moda, psicología y salud
Publicado en: FASHION RADICALS
Lucía Cuba cautivó mi atención cuando leyendo una revista vi que su trabajo Artículo 6 estaría exhibido en el Museo de Arte y Diseño de la ciudad de Nueva York hasta abril de 2015, de inmediato me comuniqué con ella porque más allá de ser una voz creativa latinoamericana que habla de moda, su trabajo está cargados de connotaciones Radicals que quisimos confirmar.
Nació en Lima en 1980 y estudió Diseño de Modas en el Centro de Altos Estudios de la Moda (CEAM), es licenciada en Psicología, con estudios de Maestría en Psicología Educacional y Desarrollo Humano, y doctora en Salud Pública de la Universidad Peruana Cayetano Heredia. En el 2010 recibió la beca Fulbright y posteriormente se graduó de la Maestría en “Diseño de Modas y Sociedad” de Parsons, The New School for Design, en Nueva York.
Su trabajo se basa en una aproximación crítica al diseño de modas y a la construcción y exploración de prendas de vestir como agentes performativos y políticos, pues para Cuba las piezas de moda y vestuario van más allá de una función estética y representan consideraciones sociales, éticas y políticas. Además como investigadora en salud publica y psicología, explora el cuerpo, el genero y la biopolítica a través de sus diseños con los cuales hace una fuerte critica de la salud pública.
¿Por qué estudiar moda, psicología y salud. Qué tienen en común y cómo lograste crear un diálogo entre ellas?
No decidí estudiar las tres a la vez, pero poco a poco mi práctica profesional y lo que inicialmente era un hobby (el diseñar mis propias prendas) fueron encontrándose hasta llegar a un punto de conexión que empezaba a demandarme conocimientos y a explorar nuevos territorios.
La moda, la psicología y la salud están construidas sobre un universo personal y social, y su aproximación demanda de enfoques interdisciplinarios. Creo que el diálogo que encuentro entre ellas y del cual aprendo constantemente tiene sobre todo que ver con el descubrir y aprender de la gran posibilidad que implica el aproximarse a temáticas sociales –en mi caso enfocadas en temas de salud- desde la construcción crítica de vestuario.
¿Según tu aproximación y percepción de la moda, cómo la definirías?
No manejo una definición única, pero me gusta pensar que la moda supone un universo complejo en donde lo individual y social interactúan constantemente y recrean nociones diversas de persona y personas, tradición, historia, costumbre, cultura, juego, ritual, tiempo, intercambio, producción, etc.
Me gusta pensar también en la idea de “modas”, como una construcción plural, y en las dinámicas complejas que estas plantean. Creo que al pensar en el concepto como algo plural se incluye la posibilidad de que este varíe y pueda ser concebido como algo amplio y no estático.
¿Entonces en este lenguaje plural que refleja nuestro tiempo e identidad individual y colectiva, qué dice la moda de los seres humanos contemporáneos, de la mujer contemporánea?
El ser humano transmite permanentemente características individuales y colectivas en su vestuario, independientemente de si este se comprende o no desde una definición particular de la moda o desde un momento particular en la historia.
Los seres humanos somos tan diversos y complejos que me resultaría injusto tratar de tipificar un solo tipo de moda en relación a un género y una temporalidad. Nuevamente haría el ejercicio de pensar en qué implica que algo sea entendido como “moda”, para quién, en dónde, en qué momento, etc…
Este diálogo que abres a través de tus diseños y arte, hacia dónde creces que está avanzando, qué respuestas has encontrado, o mejor dicho en qué va esa conversación…
Al intentar generar conversaciones distintas a partir del planteamiento de ciertos temas sociales mediante el uso de prendas de vestir y de plataformas del diseño y la moda, las respuestas son diversas. Por un lado existe el reto de pensar que una prenda pueda existir más allá de un momento (o temporada), más allá de la esfera comercial (se prestan, no se venden) o más allá de lo estético (de la valoración de si es una prenda bonita o fea). Esto implica el replantear nociones que uno construye sobre lo que “es y no es” moda.
Por otro lado, existe el reto de pensar que una prenda pueda existir en un contexto en donde habitualmente no era un objeto/sujeto de observación, estudio o construcción. Como en un contexto académico, científico, legal, de crítica social, etc. Esto supone también replantear nociones que uno construye sobre lo que es y no es perteneciente a estos universos. En este contexto, las prendas que construyo existen y se “validan” de acuerdo la interacción e interpretación que tienen cada vez que se exponen (sea esto de manera física o virtual), cada vez que alguien una persona le da una lectura y les otorga un significado. Cada experiencia supone una posible conversación posterior, elevando el mensaje que las prendas puedan llevar, y sobre todo, añadiéndoles la importante carga emocional y simbólica de quien lo está reinterpretando.
Personalmente no cuantifico el avance de estas conversaciones, pero hay ciertos indicadores que me ayudan a evidenciar que estas sí ocurren y que existen en contextos muy diversos: como por ejemplo ver el impacto de un artículo sobre mi trabajo al leer los comentarios de una persona sobre este, o al ver la nota compartida, al recibir un correo sobre cómo las prendas lograron comunicar un mensaje y cuestionarlo, al terminar una presentación en una clase y recibir un comentario sentido al respecto, entre muchas otras expresiones. Cada una de ellas es una gran motivación para seguir creando.
¿En este momento tienes uno de tus trabajos expuesto en el ámbito del arte, en un museo, qué diferencias ves entre arte y moda, si las hay, dónde se yuxtaponen, y cómo una usa a la otra?
En un sentido tradicional, la moda se construye sobre nociones del diseño, pensando en este como algo más funcional que responde a necesidades específicas o que responde exclusivamente a necesidades comerciales. Contrastando esto con nociones tradicionales del arte, el diseño de moda encajaría menos” en lo libre, honesto, abstracto, etc., y más en lo comercial, lo masivo y en el consumidor.
Pero en los enfoques contemporáneos, al menos desde mi experiencia, lo interdisciplinario entra como algo transversal en distintas expresiones humanas, y lo que tradicionalmente identificábamos como “arte” o “moda” hoy en día se construyen desde escenarios tan diversos que poco a poco trascienden esta ‘tradición’ de tratar de enmarcarlas como una expresión u otra.
Con esto me refiero a que cada vez es más frecuente ver que las disciplinas intervienen en distintos campos, en donde más allá de la etiqueta puesta a la obra, se comprende en un sentido amplio y multidimensional.
Pasemos ahora a tus proyectos, cuéntame como nació y se desarrolló Artículo 6?
El proyecto “Artículo 6: Narrativas de género, fortaleza y política” nació en el 2011, mientras me encontraba desarrollando la tesis de una Maestría en Diseño de modas y Sociedad en Parsons, en Nueva York. En ese contexto, el Perú se encontraba en medio de una contienda electoral presidencial, en donde una de las candidatas de mayor preferencia era la ex-primera dama e hija del ex presidente Alberto Fujimori, quien nos gobernara por 10 años en el marco de un régimen dictatorial caracterizado por la corrupción y violación de los derechos humanos de los y las peruanas. Uno de los casos de violación de DDHH que empezó a ser nuevamente discutido durante esta contienda política era el caso de Esterilizaciones Forzadas, que se llevaron a cabo en Perú entre 1996-2000 en el marco de la aplicación de un programa de control poblacional y planificación familiar. En este período al menos 2,074 personas (en su mayoría mujeres de poblaciones indígenas y en situación de pobreza) fueron forzadas a someterse a esterilización quirúrgica (bajo coerción, mentiras, falta de información, etc.).
Yo me aproximé al caso por primera vez en el 2009, cuando me encontraba realizando estudios de doctorado en Salud Pública. Sin embargo en el 2011 reconecté con el caso –y con la indignación que este me generaba- esta vez desde un espacio vinculado al arte y el diseño.
Pensé en la posibilidad de aproximarme al mismo tratando esta vez de generar un canal que permita conversar sobre esta problemática, difundirla, generar nuevas escenarios para tratar temas relacionados sobre derechos sexuales y reproductivos, género, derechos humanos, entre otros. Fue así que decidí tomar al vestuario como mediador y canal principal de comunicación, y como herramientas a las plataformas que el diseño de modas podía ofrecerme –como editoriales de foto, pasarelas, performances, video etc.- entendidas como espacios con un gran potencial para dialogar sobre diversos temas.
Inicialmente realicé trabajo de campo (entrevistas, visitas, análisis de documentación, entrevistas con las personas afectadas, entre otros), para luego dar lugar a la construcción de las prendas de vestir que podían generar estas conversaciones sobre el caso y los temas relacionados. Como resultado final, el proyecto cuenta con un espacio de documentación digital http://articulo6.pe que está próximo a ser relanzado, y que recoge documentación diversa del caso y del proyecto, y está compuesto por más de 50 piezas de vestuario construidas con técnicas mixtas de bordado, impresión en tela y tejido que se han activado mediante 12 acciones (entre ellas performances y pasarelas, video, conferencias, talleres, instalaciones, portales web, etc.) dentro y fuera de Perú.
Han transcurrido más de dos años desde que oficialmente lancé el proyecto y la posibilidad de aprendizaje es gratificante e infinita.
¿Qué simboliza el cabello sobre el rostro y la trenza larga?
Para la construcción visual de este proyecto (Artículo 6) consideré importante tratar de respetar el criterio de anonimia de las personas y el caso abordado. Las imágenes que he creado a través del styling y la dirección de arte de mis prendas plantean nociones de género y procedencia, haciendo uso de la trenza como una referencia a las poblaciones indígenas.
¿Tienes otro proyecto que se denomina ‘Exercises on Health’ y ganó un premio en The Future of fashion is now, y eras la única latinoamericana, cuéntame de eso?
A inicios del 2014 recibí el premio Han Nefkens en Moda, junto con 5 diseñadores internacionales entre ellos Iris van Herpen (NL), Craig Green (GB), D&K (Ricarda Bigolin & Nella Themelios, AU), Olek (PL) y Digest Design (CN), quienes fuimos seleccionados por un jurado compuesto por Viktor&Rolf, Karin Swerink, Vassilis Zidianakis (Atopos cvc), Han Nefkens y José Teunissen, quienes nos seleccionaron luego de una búsqueda y evaluación extensa de propuestas internacionales de diseño y moda.
El premio incluía desarrollar un proyecto nuevo que formaría parte de la exposición “El Futuro de la Moda es Ahora”, exhibición que acaba de terminar el pasado 18 de Enero en el Museo de Boijmans Van Beuningen de Rotterdam. Haber sido reconocida con este premio fue sumamente gratificante, sobre todo considerando que la selección de candidatos la hace un jurado internacional cuyo trabajo aprecio, y dentro de las cuales además fui la única latinoamericana del grupo de premiados.
El proyecto que decidí crear se llama “Ejercicios en Salud” (EES), un proyecto que explora nociones sobre la salud a través de la construcción de prendas de vestir, abordando las dificultades y oportunidades que la experiencia con la salud trae consigo.
Durante la exhibición “El Futuro de la Moda es Ahora” presenté la primera parte del proyecto, una instalación compuesta por 4 trajes que recogen historias de personas que se aproximan a su condición de salud a partir de un diagnóstico de cáncer. Cada pieza tejida a mano en algodón es complementada por “historias clínicas” en donde se comparten fragmentos de las entrevistas realizadas, fragmentos que fueron bordados dentro de las mismas prendas.
Esta primera muestra activa oficialmente el proyecto, una nueva plataforma desde la cual abordaré distintas problemáticas relacionadas a las construcciones sobre la salud, el acceso de la población a la misma, los determinantes sociales, entre otros temas. El proyecto contará también con una página web (http://ees.pe), en donde uno se podrá aproximar al proyecto y sus acciones, así como a vínculos con información relacionada a los temas que se estén abordando.
¿Qué mensaje estás dando con este proyecto donde el cuerpo femenino y la salud son foco?
En este proyecto el cuerpo concebido no tiene un género específico. EES está centrado en explorar las nociones de salud en un sentido amplio, pero desde el universo de lo personal y social. De alguna manera, explorar más a fondo sobre cómo los seres humanos construimos nuestra salud, y cómo logramos alcanzarla. Muchas veces recién pensamos en nuestra salud recién cuando ésta se ausenta.
Justamente con este proyecto intento aproximarme con mayor énfasis desde el arte y la moda, pero con un enfoque de salud pública, sobre todo para las acciones y temas futuros que el proyecto tiene consideradas. Una de las motivaciones principales del proyecto tiene que ver con la posibilidad de plantear una temática que suele ser tratada sólo por expertos (médicos, especialistas en salud) y plantearla desde la perspectiva del ciudadano de a pie.
En este ejercicio, la idea es proponer nuevos espacios para construir y reflexionar sobre las nociones de salud, acceso a la salud, a la información en salud, etc.. Y, ambiciosamente, pensar que estas reflexiones nos invitan a empoderarnos respecto de nuestra propia experiencia en salud.
¿Todo este trabajo al final tiene unas piezas de vestuario, éstas se comercializan?
Dependiendo del proyecto en el que esté trabajando, el circuito de exposición o distribución de las prendas que construyo varía –sea perteneciente al rubro del arte, de la moda u otros. Por ejemplo, en el caso del proyecto “Artículo 6” las piezas no se comercializan no están a la venta si no que circulan en calidad de préstamo y en esa condición se exponen y performan en plataformas diversas.
Por otro lado, en otro proyecto que estoy por lanzar este año “LCO” un nuevo proyecto concebido como un laboratorio de prendas y objetos que se construyen a partir de una propuesta crítica de la moda las piezas creadas sí dialogarán y existirán en un circuito comercial, y sí estarán a la venta.
La posibilidad de explorar la moda y sus sistemas desde distintos niveles como la creación, producción e impacto, es lo que también me motiva a conocer más a fondo y proponer nuevas estructuras de distribución y exposición de mi trabajo.
¿Finalmente, cómo percibes la moda Latinoamérica?
Creo que los sistemas latinoamericanos de la moda están haciéndose cada vez más conocidos, tal vez más “accesibles”. Esto también tiene mucho que ver con el acceso a redes sociales e internet, que facilita la exposición e intercambio de procesos del diseño y la moda a nivel mundial. Esto ocurre en un momento importante a nivel de la industria de la moda mundial, que ha pasado por recientes crisis económicas y por cambios en los escenarios en donde esta se construye y distribuye.
En ese contexto, los nuevos sistemas que emergen en contraste a las nociones más tradicionales de la moda como es el caso de los sistemas de moda latinoamericanos, tienen la posibilidad de aportar a visiones y prácticas distintas a las comunes, que pueden aportar a la comprensión de la moda como una construcción amplia, interdisciplinaria, ética, histórica, inclusiva y diversa.
Esto en un momento en que grandes problemáticas presentes en los sistemas de la moda a nivel global como lo son- por citar un ejemplo- las cadenas de producción masiva también denominadas “fast fashion”, que van desapareciendo de mercados europeos o norteamericanos y se abren con gran respuesta y hasta alegría en mercados latinoamericanos. Esto es preocupante en tanto estas cadenas de producción han sido muy cuestionadas en temas de ética laboral y ambiental, así como en el impacto que tienen sobre la producción local. Estos temas se vienen trabajando en diversos países, incluso a nivel del estado y términos de cómo este protege y promueve no sólo la producción local sino el sistema en su conjunto.
El reto es complejo e implica el que podamos conversar al respecto en distintos niveles, como creadores, productores, consumidores y estado. Pero la posibilidad de pensar en cómo hacemos modas en Latinoamérica implicaría primero definir sobre qué bases las estamos construyendo.
Nota del editor: quiero agradecer de corazón a Lucia Cuba por contestar esta entrevista de manera honesta, juiciosa y profunda, dejándonos con reflexiones maravillosas sobre este lenguaje plural que es la moda. ¡Gracias! fue un placer conocerte virtualmente.
15/01/2015
Latin American Art, Fashion and Craft at MAD | Museum of Arts and Design
Publicado en: SOURCE4STYLE
New Territories is the first American museum group exhibition dedicated to contemporary Latin American design, and a unique opportunity for designers to get inspired by the rich variety of materials, textures and shapes on display.
A central theme of New Territories is how contemporary design in Latin America blurs the boundaries between modern art forms and traditional craftsmanship. The exhibit is organized into six themes, each matched to a city laboratory. The theme concerning space, for example, is matched to Habana, Cuba – a place that has allowed artists to explore how individuals and communities navigate private and public spaces. With his series Architecture of Necessity, Cuban photographer Ernesto Oroza captures how people engage with the architecture that surrounds them, modifying spaces to fit their necessities.
Though connected to a city, each theme is also encountered in other areas. Peruvian artist and clothing designer Lucia Cuba also explores issues concerning the violation of personal space with the project Articulo 6, which includes garments made out cotton canvas and digitally printed with Peruvian legislature on women’s reproductive rights.
Craft, as an exhibit theme, examines designs produced between artists and artisan communities that uphold traditional forms of craftsmanship. These contemporary designs aim “to help move traditional craft skills into the future,” explains the exhibit website. Working under the premise of social change and economic development, these projects engage diverse talents to produce innovative and thought-provoking pieces. In Mexico, the collective Oax-i-fornia fuses artisanal crafts and materials with experimental design methodologies, creating new and global commercial avenues for ancestral craftsmanship.
Artists like Carla Fernández of Mexico, represent contemporary design’s potential to push the boundaries forward in a way that revives traditional craftsmanship. Fernández created the workshop Taller Flora in order to develop designs that incorporate the work of local textile weavers. These innovative garments reconfigure the “elaborate system of pleats, folds, and seams that construct a vast array of garments” traditional to Mexico, says the artist.
Square Chamula Coat, part of the Estridentistas collection (2014), was made in collaboration with Pascuala Sanchez and handwoven in wool with a waistloom then dyed with mud creating a dark and fluid cape-like garment.
Similarly, the artists behind the brand MaximaDuda collaborate with the indigenous Warao people in Caracas, Venezuela to create furniture and apparel designs that push ancient Venezuelan crafts forward. Sol de la tarde, is a triple weave tapestry made out of silk, copper and moriche (mauritia flexuosa) palm fiber found in the Orinoco River delta.
Argentine artists Leo Chiachio and Daniel Giannone have recently focused on “embroidery as a technical process for developing images,” states the exhibit website. One of the pieces on display, Ciudad frondosa (2011-2012), is a self-portraiture of the two men dressed in pre-Columbian garb (holding a pet dachshund) in an almost mythological scene surrounded by flora and fauna. The artists hand-embroidered the piece in cotton, rayon, and wool.
New Territories also makes notable mention of Latin American artists’ and designers’ commitment to environmental sustainability, putting a spotlight on objects made out of recycled materials that are also infused with environmental and political narratives. Brazilian Artist Rodrigo Almeida is concerned with an object’s construction and aesthetic dimensions. For his piece Hammock (2013), Almeida took preexisting materials like handmade cotton fabric and perforated leather to construct an object that functions as a hammock but also acts as a caftan when worn by a model.
New Territories is on display through April 6, 2015, and will inspire textile aficionados and art enthusiasts in general in more ways than one.
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18/05/2015
Lucia Cuba
Publicado en: MIXT(E)
Quand on s’appelle Cuba, on est peut-être vouée à l’engagement…
En tout cas, Lucia (née avec les années 80) a mis toutes les
chances de son côté : diplômée en mode de la prestigieuse Parsons,
The New School for Design à New York, mais aussi dotée d’un cursus
en psychologie et d’un doctorat de santé publique de l’université
Cayetano Heredia à Lima. La jeune femme utilise ainsi la mode et
son vocabulaire pour prendre la parole sur des dossiers sensibles.
De prime abord, les documents visuels de son projet Articulo 6
pourraient être extraits d’une série dans un magazine de mode
pointu, mais il s’agit en fait d’une réflexion à long terme autour de
campagnes de stérilisation forcée qui ont eu lieu au Pérou à la fin
des années 1990, à l’initiative du gouvernement, et visant les populations
indigènes. Autour de ce sujet tabou, Lucia Cuba a d’abord
réalisé des vêtements, en utilisant comme imprimé l’article 6 de
la loi de santé générale du Pérou qui souligne le droit à un choix
libre de mode de contraception. Si les modèles ont été portés sur
le podium ou par des blogueuses lors de la Fashion Week de New
York (et même par Lady Gaga !), ils ont aussi été présentés dans
des expositions ou ont servi de base à des performances. “Mon travail
s’exprime sur des plateformes multiples, et doit être adapté à
différents contextes et publics. Les pièces doivent donc avoir un écho
à la fois socialement et esthétiquement, explique l’artiste. Pour moi,
il est essentiel qu’un public très large puisse se retrouver dans mon
travail, que ce soit à travers le sujet ou à travers les formes et les couleurs.”
Impossible de ne pas remarquer la coiffure très conceptuelle
de ses modèles, qui a trouvé un écho jusque sur des sites spécialisés.
“Il était important de respecter et de symboliser l’anonymat des
personnes impliquées dans le procès [des victimes ont porté plainte
contre le gouvernement en 2012, ndlr]. La tresse était aussi une référence
pour les populations indigènes, qui sont souvent sujettes à des
décisions unilatérales de la part du gouvernement, et qui étaient les
plus affectées par cette politique de stérilisation.” Récompensée par
de nombreux prix et bourses, Lucia Cuba mène de front ses activités
de créatrice de mode et de conseillère sur des projets culturels.
Une tendance qu’on aimerait bien voir se propager. Nathalie Fraser
www.luciacuba.com
Quand l’art
19/10/2015
Ejercicios en Salud, un proyecto de Lucia Cuba
Publicado en: DRAFT MAGAZINE
28/02/2016
Latin American artists featured in ‘New Territories’ exhibit at Albuquerque Museum
Publicado en: Albuquerque Journal
Rooted in the Medieval history of tapestries, the jungle of ferns, fawns and feathers combines in a mythical kingdom inhabited by at least one dachshund. The finely embroidered piece spans nearly 14 feet, incorporating a “Where’s Waldo” menagerie of creatures emerging from seemingly hidden black outlines and bold colorwork stitched by Argentina’s Leo Chiachio and Daniel Giannone.
The mammoth embroidery combines the European still life tradition with plants that would never bloom at the same time and animals from opposite continents to create a lushly vibrant jigsaw puzzle. The piece is one by more than 75 designers, artists and collectives featured in “New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America,” now open at the Albuquerque Museum.
Organized by New York’s Museum of Arts and Design, the exhibition is the first U.S. group show of contemporary Latin American design and runs through April 17.
Its sweep includes artists from Brazil, Venezuela, Puerto Rico, Cuba and Mexico City, incorporating textiles, furniture, photography, ceramics, Fiberglass and reclaimed recyclables. Many of the artists collaborated with videographers to create accompanying films about their pieces. Several worked with indigenous crafts people to preserve their national heritage, creating dynamic new work. Even the works created with modern technology celebrate the beauty of the handmade, curator Andrew Connors said.Trash pickers regularly plunder the country’s garbage for recycling. Muniz’s photograph of a mountain of trash, including toilet seats, tires and cans, forms the background of an image of a trash picker posed like Jacques-Luis David’s portrait of the assassinated French revolutionary Marat.
A closer look reveals the image was created using discarded flip-flops, coffee filters and bottle tops laid out across a white floor.The real Sebastiao organized the garbage pickers into a union with health and retirement benefits, Connors said. Brazilian designer Nada se Leva created a red laser acrylic side table in a playful melange embellished with all the frills and flourishes of the Baroque era. The results are both playful and functional.
Designer Lucia Cuba stitched high-fashion dresses from cotton canvas printed and embroidered with stories and slogans of gender and politics. The models wear traditional Peruvian braids in front, hiding their faces, to direct the viewer to the garments. A portrait of former Peruvian president Alberto Fujimori stamps the skirt of one dress next to the American flag and the U.S. Agency for International Development. The president organized the forced sterilization of mostly indigenous women with the help of U.S. funding, Connors said. Cuba stamped her fabric with statements about child labor and the state of women.
“It’s high fashion with a political punch,” Connors said.
10/11/2015
Lucia Cuba: Narratives of gender, strength and politics
Publicado en: SURFACE DESIGN JOURNAL
The exhibition New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America, on display earlier this year at the Museum of Arts and Design in New York, broke boundaries in presenting a diverse range of work from over 75 artists, designers, and craftspeople.1 Chosen according to region, the exhibits were varied and unexpected in content, materials, and techniques. Political agendas were often overt, and sometimes quite subtle. On the upper floor of the show, one exhibit featured dresses displayed on mannequins whose faces were half covered with masks. Both intriguing and puzzling, this work by Peruvian artist and designer Lucia Cuba formed part of a much larger pro- ject, ARTICULO 6, which employs fashion for political statement.
When Cuba graduated from Parsons School of Design in New York in May 2012, she was among the first cohort of the MFA in Fashion Design and Society. Not a stereotypical fashion design experience, the program encourages students to con- sider the wider social dimensions of what we wear on our bod- ies. For Lucia, this has meant positioning garments as “agents of change”2 rather than merely as coverings or articles of adorn- ment. This strategy has infused ARTICULO 6: narratives of gender, strength and politics, the project that Lucia began as a graduate student and has continued since. She refers to it as “an activist design project” that aims to raise awareness about the forced sterilizations that took place during the government of Alberto Fujimori in Peru (1996-2000).
The title refers to the Sixth Article of the Second Chap- ter in the General Health Law of Peru, which establishes that “all persons have the right to choose freely the contraceptive method they prefer, and to receive appropriate information on the methods available and the risks.” Lucia describes ARTICULO 6 as exploring different narratives related to the case of forced sterilizations. She uses the testimonies of the people affected, fragments of political speeches, research documents and laws, as well as other textual and visual content, as raw materials for the project’s garment collection and 12“Actions.”The garments, made with mixed techniques (embroidery, knitting, weaving, and printing), are based on the deconstruction and reinterpretation of typical items from Peruvian imaginary.Their production—se- rial and monochrome—refers to the standardization and milita- rization of public health policies, as well as to the strength, resistance, and fighting capacity of people to face the violation of their sexual and reproductive rights.
The Actions generated by the project (expressed through performances, meta pieces, exhibitions, video, photo, conferences, installations, and workshops) show the impact and potential of garments to intervene in different social contextsThe exhibition New Territories: Laboratories for Design, Craft and Art in Latin America, on display earlier this year at the Museum of Arts and Design in New York, broke boundaries in presenting a diverse range of work from over 75 artists, designers, and craftspeople.1 Chosen according to region, the exhibits were varied and unexpected in content, materials, and techniques. Political agendas were often overt, and sometimes quite subtle. On the upper floor of the show, one exhibit featured dresses displayed on mannequins whose faces were half covered with masks. Both intriguing and puzzling, this work by Peruvian artist and designer Lucia Cuba formed part of a much larger pro- ject, ARTICULO 6, which employs fashion for political statement.
When Cuba graduated from Parsons School of Design in New York in May 2012, she was among the first cohort of the MFA in Fashion Design and Society. Not a stereotypical fashion design experience, the program encourages students to con- sider the wider social dimensions of what we wear on our bod- ies. For Lucia, this has meant positioning garments as “agents of change”2 rather than merely as coverings or articles of adorn- ment. This strategy has infused ARTICULO 6: narratives of gender, strength and politics, the project that Lucia began as a graduate student and has continued since. She refers to it as “an activist design project” that aims to raise awareness about the forced sterilizations that took place during the government of Alberto Fujimori in Peru (1996-2000).
The title refers to the Sixth Article of the Second Chap- ter in the General Health Law of Peru, which establishes that “all persons have the right to choose freely the contraceptive method they prefer, and to receive appropriate information on the methods available and the risks.” Lucia describes ARTICULO 6 as exploring different narratives related to the case of forced sterilizations. She uses the testimonies of the people affected, fragments of political speeches, research documents and laws, as well as other textual and visual content, as raw materials for the project’s garment collection and 12“Actions.”The garments, made with mixed techniques (embroidery, knitting, weaving, and printing), are based on the deconstruction and reinterpretation of typical items from Peruvian imaginary.Their production—se- rial and monochrome—refers to the standardization and milita- rization of public health policies, as well as to the strength, resistance, and fighting capacity of people to face the violation of their sexual and reproductive rights.
The Actions generated by the project (expressed through performances, meta pieces, exhibitions, video, photo, conferences, installations, and workshops) show the impact and potential of garments to intervene in different social contexts (…).
01/07/2016
Can Marfà reflexiona sobre el cos a través del vestir
Publicado en: Cultura Mataró
Can Marfà Gènere de Punt del Museu de Mataró acollirà a partir del divendres 15 de juliol l’exposició “Vestir i desvestir cossos. Fenomenologies d’aparició”. La mostra és una producció del Centre d’Art La Panera de Lleida i els comissaris són Maia Creus i Oriol Ocaña que ofereixen una reflexió sobre el cos a través del vestir.
L’exposició busca relacions entre l’art i la moda a partir d’una àmplia panoràmica de peces de dissenyadors emergents i consolidats i d’altres dedicats al disseny experimental, i artistes de ressò nacional i internacional que han reflexionat sobre aquests temes. Distribuïda en cinc àmbits temàtics: Cos construït, Cos Absent, Cos Ferit, Cos Polític, Cos Expandit, la mostra compta amb peces d’Ana Laura Aláez, Nora Ancarola, Stéphanie Baechler, Ramon Guillén-Balmes Isabel Banal, Anna-Sophie Berger, Denys Blacker, María Castellanos, Júlia Coma Vilarasau, Lucía Cuba, David Delfín, Emma Escuer, Pepe Espaliú, Ali Yerdel, Anastasia Pistofidou, Laura Fernández Antolín, Lena Gallovicova, Nadine Goepfert, Rubén Grilo, Enric Mayoral, Ana Mir, Txell Miras, Juan Luis Moraza, María Morgue, Juan Muñoz, Peter Pohjola, María Palomeras, Miriam Ponsa, Joana Poulastrou, Laura Puigdellívol i Tea Sirbiladze.
Abordada des de diferents punts de vista, “Vestir i desvestir cossos. Fenomenologies d’aparició”
presenta el cos com un objecte cultural, reflex de normes i valors. Perquè és a través del cos que construïm la nostra identitat, com a individus, però també com a societat. Un cos vestit o desvestit sempre respon a un codi, una conducta o a un rol determinat, tant si és per qüestions de gènere, de posicionament econòmic o de pertinença a un grup social determinat.
El potencial «performatiu» de la moda, la seva capacitat generativa, rau en el seu caràcter eminent públic. És en aquest sentit que el disseny de moda té una especial rellevància en la seva capacitat d’actuar en els cossos. La indústria de la moda no tan sols ha normativitzat la identitat de gènere basant-se en la repetició de trets que s’identifiquen amb allò femení o allò masculí, sinó que també ha formulat una sèrie de cossos paradigmàtics, desitjables, canònics, i alhora, ha intentat ocultar-ne la deformitat i la diferència.
L’exposició vol mostrar el doble potencial que té la indústria de la moda d’inserció i transformació del món en el qual vivim. En la seva cara més teatral i escènica, el vestir forma part de la institució política del «nosaltres» i dels «altres»; dóna forma a la pluralitat. El vestir forma part de l’acció i de la paraula dels homes; s’inscriu, doncs, en l’activitat política dels éssers humans, que en tant que viuen i parlen junts, van construint món. En canvi, en la seva realitat interna, la moda o la indumentària es relaciona directament amb la llibertat humana, entesa com a acció personal, pensada com un procés obert incert i canviant.
L’exposició, que compta amb la participació especial de l’Escola Superior de Disseny (ESDI) i la col·laboració de l’Escola Superior de Disseny i Art La Llotja (URLL), es podrà visitar fins al 18 de desembre. A partir del mes de setembre, comptarà amb un servei específic de visites i tallers, tant per a públic familiar com escolar i un programa de visites i activitats per a centres educatius vinculats a la moda i a la industria tèxtil.
13/08/2017
BRIC workspace Artist Lucia Cuba's "Exercises of Health" Exhibit | BK Stories
Publicado en: BRIC TV
Brooklyn-based Lucia Cuba was born in Lima, Peru. Her work focuses on issues of health, politics and global fashion. Her project, Exercises of Health, uses garments to raise criticisms and discussions of health and its absence.
Cuba received her MFA from Parsons School of Design, as well as a BSc in Psychology and an MA/PhD in Public Health Studies. Her work was featured in the Material Cultures exhibition at BRIC, as well as at the Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Netherlands; the Museum of Art and Design, NY; and the Albuquerque Museum in Albuquerque, NM. Cuba is currently an artist-in-residence at the Museum of Arts and Design, NY, and an Assistant Professor of Fashion at Parsons School of Design, NY.
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This video is from BRIC TV— the first 24/7 television channel created by, for, and about Brooklyn. It is the borough’s source for local news, Brooklyn culture, civic affairs, music, arts, sports, and technology. BRIC TV features programming produced and curated by BRIC, an arts and media nonprofit located in Downtown Brooklyn, NYC.
29/10/2017
Work in Progress: Lucia Cuba
Publicado en: TEXTILE ARTS CENTER / BLOG
Lucia Cuba, our October Work in Progress resident, and I Skyped late one night to chat about her series “Wearables for/to protest,” the third part of her ongoing “Exercises on Health” (EoH) project.
“Hola!” said her chat bubble, “do I call you or the other way around?”
I set up my three individual recording devices and called her. Her daughter was asleep, so we talked in low voices, until she woke up by the end of the interview.
S: Take me through a normal work day for you. In a previous interview with TAC, you mentioned coffee and loud music as staples.
L: It’s funny because that interview is from 2013, or 2012, and it’s still pretty much the same. In terms of general activities, I split my time between my kid, my independent projects and, working as a full-time faculty at Parsons. Whenever I’m not in my studio space, I’m in at the university teaching or working on something related to academia, or at home. But it is a common thread that I need coffee and loud music to work, regardless of the activity I’m engaged in. Of course, when I’m teaching I can’t do that, but whenever I’m doing anything like writing, or reflecting on teaching, preparing for a class, or playing with my kid that becomes a great motivator.
In terms of engaging in a creative process and its environment, I do need that type of set up. I’ve become more used to the idea of sharing studio spaces in the past five years, and with that comes a lot of amazing opportunities, but also understanding in what ways you can and not focus the most. For me, focusing or “going to the zone” also comes in the form of music and headphones, and trying to be in a very symbolic space when I’m already into an idea. I don’t tempt to sketch or draw too much, but I do develop a good amount of time into researching before I jump into any other process. For example, at this stage, the process of making will be absolutely influenced by reflecting upon the research and how this is translated in terms of materials, colors, and techniques that I engage with.
And from that point on, for example, I start making decisions on what information I’m going to move forward with and what I’m going to leave aside, at least in terms of what can help me to materialize or to create a body form out of that intellectual process. I also tend do a lot of editing and curation of the work as I go, even in the context of process works, not just towards a “finished” type of outcome. I specially realized that in the context of my latest project, the one that I’m working on at WIP right now, where I’m using text in a very explicit way, which is something recurrent in my works. The more I work with text, the more challenging experience I have selecting what exactly to include. If it’s not a text coming out from a source different than me, I create text from my reflection process and then putting it down into a physical form,to later on continue editing within the physical form itself, both in the context of the material, the form and the overall experience I would like to create. It becomes a conversation between the text, the materiality, volume, weight, and a lot of other layers of how everything is built and what it may be understood as. I don’t have a formula and I don’t of course always follow the same steps, but everything informs everything at that point.
And, as mentioned earlier, in the context of being very nomadic with my studio spaces — I’ve been doing a lot of residencies lately and it’s been tricky to be able to bring with me every type of material that I could work with- unless I’m in a very specific stage of a project where I’m , for example, taking letters that I’ve already cut out, as I did for this project, or when I know exactly what I need to weave … And even in “production mode”, I have moments of realization, like ‘oh this should absolutely go into the project,’ which is usually what happens…
S: What do you think of being at TAC so far? How do you think working in the space will affect your work?
L: I started this year by doing an art residency at the Museum of Arts and Design, in one very specific type of space (inside the museum and open to the public at all times). Then I went to BRIC Arts Media for a summer residency, where I was working in private and in a massive physical space , and now I come to WIP at TAC in a space that is “small” but that has so much light and movement outside. This space as you know has a massive window where passers can take at look at what’s going on inside…. And it’s such a busy street!
There’s a “sense of street” but in a controlled form because you’re still working behind the window. This is also important because it allows you to take time and think about the work when exposed, while exposed.( ..) It’s interesting to think about that in the symbolic process of being literally behind the window, with work that I’ve been working on since the beginning of the year, at a completely different stage (…) On the other hand, to symbolically place this work outside. The idea for me will be to activate these pieces by the end of the year. Doing so this end of the year will be a symbolically important for me, specially in the context of reflecting upon all of this work transitions through different residency programs that are appreciating ideas coming from design, craft, art, and especially fiber and clothing, in the context of political conversations around health, gender, sexual and reproductive rights, etc.(…) and it’s going to be really important for me to see the work finally materialized, in the way in which I had envisioned this whole year.
I always recall that it was at TAC while doing their long term art residency in 2012 that I learned how to weave, and fully understood how important it was to develop my own cloth. At TAC I learned about how to reflect upon fibers and crafts in a way that I had not understood before(…) I believe there is a very honest set of processes that take place in this particular community that are absolutely important and valuable for anyone, especially those of us interested in reflecting upon the materiality, techniques, knowledge, and overall feeling of being in connection with a manual process… and in an absolutely organic process of sharing how relevant it is to not only acknowledge, but to learn from crafts. (…)
Being part of TAC’s WIP also makes me feel that I am continuing a process that started in 2013, right after finishing the residency and moving out of NY, and that I have now the opportunity to reconnect with, after moving back to NY in 2015.
S: Your relationship with Peru is such an important part of your work. Being between cultures and moving between countries, how do you maintain a connection to your cultural heritage in a way that feels important to you?
L: I try to think about my connection with Peru not only in terms of my cultural heritage, but especially in the context of the current history and social debates. I’m a Peruvian citizen, I like to think and act actively in local debates. In fact, the work I’ve been doing over the past 10 years, including the work I’ve been developing since I’ve not been based in Lima (where I am from) has been absolutely engaged with local and current debates.
Also, after moving out of Peru, I came to understand my role as a Latin American citizen, which before I moved-out I didn’t recognized. I mean, you “call it out” but you don’t really feel it, not in the same way in which I feel it now. For example, I’m definitely much more connected to the idea of belonging to a region, rather than just a country, to the idea of belonging to a few languages, rather than just one.. And, for sure, I’m much more aware of the idea of thinking about my own citizenship, being and not being physically in the place I’m thinking or reflecting upon(…) I always try to think about my limitations in this context, to think about why I want to address and in what way I will be able to do so, while not being physically present. This is, for example, a recurrent question in my work.
I would love to say that from my cultural heritage I backstrap weave, but I learned to weave in 2012, at TAC in New York. Unfortunately and as a contradiction to the amazing heritage we have in the field it is not easy to learn how to weave in Peru, specially if you are in the coast area, like in Lima. (…)
The type of work I do responds as well to thinking about different topics that are not necessarily addressed through the lens of my country of origin or my field of practice. I try to participate in local and global debates, and to place these in conversation with creative processes that may come from different disciplines, and that may allow me and others to participate and contribute to these conversations. The ways in which I materialize these uses different tools – from social research tools, to craft-design tools such as weaving, screen printing, embroidery, etc.- a mixed of these creates the foundation of the work and processes I want to engage in and that I want people to invite the public to be engaged with as well.
S: How has your role as an educator influenced your role as a designer?
I don’t see those being separated, and at this point it’s hard to think about which one came first. I’ve been teaching at the university level since 1998, but the more I teach and develop an artistic career, the more I understand both sides completely in connection with one another. Performing an as educator – whether in a formal or non-formal way- I like to trigger ideas and conversations, to provoke, whether it’s by the aesthetic engagement to a piece or whether it’s by the topic, I like to think that I facilitate processes in which people connect with emotions and information (…) For example, I try to always creating digital platforms for each one of my projects (this becomes an opportunity to engage people you are working with, in different conversations that might go beyond the work created), and I also try to actively share the processes behind the work ( from participating in conferences, panels and lecturers, writing academic essays, etc.). At the same time, activating my work in the public space, as well as facilitating workshops in which there is another opportunity for people to engage with theses processes and conversations, to reflect on these, and to create their own (…).
S: What kind of impact do you hope to achieve through your art work? When creating, is there a specific audience you have in mind, specific environments where you would like to see your work shown?
L: I like to think that my work can trigger conversations, and that these can exist and be reflected upon anywhere, regardless of where is shown or activated (…).
Nonetheless, there are two main things I always keep in mind, regardless of what project I am working on, or where this will be activate from. On one hand, I like to think that people can engage with my work from its aesthetics, and on the other, that they can be able to engage with the work because of it’s meaning and informative relevance. I don’t think about these as separate, but I do try to have both in mind while developing it. (…) Every time I place something that I consider to be finished, I try for it to give the opportunity for these ways of engaging. In this context, for example, using language in the form of text. This is a recurrent element in my work and one of the tools intentionally use to engage with, both conceptually and literally. With this in mind in my creative process I play with graphic design, typography, and multiple languages.
S: I’m glad we got to talk about language a little bit. When you were speaking about writing and your work at TAC right now, I was reminded of this Barbara Kruger piece that I had seen at the Seattle Art Museum several years ago in their Elles exhibition.
L: (…) Yes, for sure, text is and has been used greatly from different fields.(…) In the current work I’m developing I’m also trying to go beyond the idea of literal protest and the forms of protesting. I am trying to call things out, to criticize them, but specially to propose and rethink the mediums through which we generally protest. To go beyond the act of using a propaganda-like white T-shirt, to also rethink the ways in which we can engage in protesting, and trigger multiple conversations while wearing. (…)
I like to make my pieces that can think about multiple ways of engaging audiences. For example, not everyone is interested in color determination, or in materials, or shapes, or typography, or the technique, but I like to think I develop the work with all of these as options. (…) As mentioned earlier, this two main spaces where I like for anyone interpreting, using, activating or thinking about the work I’m developing has to do with both, their reflective critical possibility of thinking about the piece, and the aesthetics of it. (…) And, my overall goal is to be able to impact in public health policy with the work.
S: What through your practice has surprised you?
L: Well, first to understand all of my insecurities as a creator! It wasn’t until just a few years ago that I started to develop a stronger “sense of self” as an artist, which might be a good thing and a terrible thing at the same time, I don’t know. But there is an individual/personal process before something is going to come out “of the closet”, the window, you’re kitchen table or from wherever you’re working from, that allows you to learn and keep on growing, and that provides you with a proper and sometimes overwhelming amount of insecurity that is also very helpful to later on reflect upon your work, and learn from your very emotional self, on how you would like to develop it further.
(…) And well, now I am also very surprised about “time to create”, as a space to be in/with, a sense of luxury that I can’t afford to have that often. The concept of time for me has drastically shift since having a kid. (…) and now, the need for time, the idea of time, in the context of creative work and practice and how to negotiate that with everything else, from your personal life to your creative practice, your creative practice as your personal life as well is always very challenging. Also the dedication and responsibility of the how, why, in what ways (…) and if it’s even going to come out, to materialize and be activated…
(…) The other thing that I am always surprised of is people’s reaction to the work, positive or negative — it always seems like that first day in 2004, the first time I saw someone walking down the street with something I had made. At the point I had a commercial brand and someone bought one of the dresses I made, and I absolutely remember looking at that person, thinking, ‘oh-my-God, someone is actually using something that I did!’ And that feeling is always there. Even now considering I don’t work in a commercial space in that way any more, but activating my work more from the economy of sharing. Regardless of how, whenever I see the pieces being displayed it’s just amazing— .
Since the latest presidential campaign in Peru (2016) one activist, Victoria Vigo, who is also one of the woman affected by forced sterilization that took place in Peru almost 20 years ago, and an active spokesperson in this case against Alberto Fujimori in the fight for justice, asked me if she could lend and wear a set of pieces to protest Fujimori and his daughter, who was a presidential candidate at that point (in this context, a set of protests were organized across Peru against the Fujimori’s). I said, of course, if you want to, feel free to use and return them when you’re done. She started using the pieces in multiple protest. I had no idea that was going to become her recurrent wearable to protest. It was and still is an amazing, beautiful thing to have experience — not that any other person who has activated any other or the same piece has not had the same impact on me in terms of being amazed, surprised and grateful – but, first knowing that Victoria Vigo finds these pieces relevant to her protest, and then looking at images of her wearing these particular pieces and in that particular context: a social protest about those specific topics that the pieces were talking about … it made me feel very connected with this dimension of the work, where she reenacts and elevates a set of other messages using these wearables as support (…) Every time I see an image of her with wearing those pieces … I don’t even have words for that.
Victoria Vigo’s activation came almost 4 years after Lady Gaga used the same series of pieces during an interview on MTV, and, just as then, but in a completely different way, these type of activations allow me to learn more and more about the ways in which garments, cloth and people are aware of/learn from/ and/or reclaim agency through clothing.
It’s overall amazing to see the work being relevant for someone else (rather than me). And I do believe that not only fibers but cloth and clothes’ agency is something we generally underestimate (…) The agency of cloth is underestimated in the way in which it actually impacts our life from the moment that we are born. Looking at cloth in the form of clothes, or clothing, and now being aware of how impactful that can be (…) helps me to think about how many different opportunities are out there for them to reclaim our own social and personal experience with and through them. Also, being more aware of them as a process or as a medium, is something I hope to continue sharing, to allow for people to experience that from my work as well, in the same way I do…
S: What is the future for your art?
One thing that I’ve came to be worried about – shamefully just a few years ago- is how delicate and irresponsible it was to continue making/producing stuff … Regardless of whether this is done in a commercial sphere or not, I’m making stuff that’s going to eventually have impact in the environment, and that is directly going to impact the landfill. That’s is also one of my concerns now, it is for sure embedded in the work process itself, but I’m trying to continue exploring alternative ways in which I can reuse materials (not only using new materials) as well as on how to create overall experiences that may allow general public to engage in these type of conversations through my work as well.
Additionally, the more I continue exploring how me and others are engaging with the work made, as well as how we all engage with clothes and cloth, the more I understand that I have to work harder in learning from and collaborating with multiple communities working around the topics I like to approach.
I also like to think that I’m reconnecting/reclaiming my public health and social psychology background. I call it out as I gain more self-esteem in the design space, and this is a personal interpretation of it, so I feel definitely much more secure about the type of processes I engage in from a design experience… I feel much more “empowered” to continue working with clothes and cloth as a medium and a form of communication. I absolutely understand this now to be my main medium of work, cloth and clothes are my medium.
Then thinking about how this can be much more effective in the contexts I want to introduce or work in. That’s always the challenge. I have a couple of activities that I like to set up once a work is developed, like photographing them, and then sharing them in the world. Then I immediately jump into more strategic placement and relocation of the work, through the lens of specific audiences.
In the short term, I am also more consciously and strategically working around the understanding of cloth as a tool for health promotion. I am engaging in more alliances in the context of civic engagement around specific topics, as well as supporting and strengthen other processes that other communities are already working on (in Peru and elsewhere). Additionally, I am working on exploring with different forms of language and technologies, specially when materializing a wearable piece, expanding these for example through performance and or other forms that might takes a greater role in the context of disseminating the physical work and making it into a much more audio-visual experience.
And, in the short term, being much more strategic about impacting politics around the topics that I’m trying to elevate through the work. It sounds very easy to say, of course, but it’s not.
S: It doesn’t sound easy.
L: It’s not, for sure!… But I’m confident that at some point, we will all be able to do it because we know how impactful clothing is as a channel of communication…
I will be always in the process of learning more about how we experience clothing, and about what goes beyond a commercial experience of it, beyond the lens of consumption and through the lens of identity, society-building and overall social interactions, and about how that is symbolically embedded and performed in the everyday life. And I will be always learning about how best to incorporate these type of experiences in the context of for example a civic fight. I hope it doesn’t take too long to rethink the ways in which currently think about dressing.
This particular project-series, “Wearables for/to protest”, is connected to these ideas. A side from the actual pieces I’m developing a series of workshops to where participants will learn how to develop their own wearables for/to protest, while reclaiming and manipulating their own clothing to wear in the context of a protest, whether it’s an actual protest on the streets or a symbolic protest that you want to take with you and invite anyone to think about.
I will be developing a workshop series at TAC at the end of the month, and I will be developing another workshop at Dream Yard and at Pioneer Works in November, and, hopefully, will be an activating the work by the end of December in Lima as well. These works are part of my ongoing project called Exercises on Health, which I expect/hope to continue being able to develop in the years to come.
22/03/2017
Lucía Cuba: “La ropa es un objeto violento”
Publicado en: Revista Paula
La diseñadora e investigadora social crea colecciones que se presentan en las pasarelas de Nueva York y en museos y galerías. Su crítica a las normas que imponen las prendas marca su particular visión y denuncia de la opresión cultural y sexual. En junio la peruana será uno de los invitados al encuentro Moda Desobediente 2017, espacio internacional de reflexión en torno a la moda que se realizará en Santiago.
Por Marcela Fuentealba / Fotografía: Gentileza Lucía Cuba / Paula 1222. Sábado 25 de marzo de 2017. Especial Moda.
Es sicóloga, tiene estudios en Salud Pública, es diseñadora y magíster en Moda y Ciencias sociales. En Nueva York, donde es profesora de Diseño en la escuela Parsons y realiza una residencia en el Museo de Arte y Diseño (MAD), Lucía Cuba (Lima, 1980) sigue trabajando en Ejercicios en Salud, proyecto que inició en 2014 y suma más de 50 piezas, entre prendas y objetos de vestir tejidos, que exploran en las relaciones entre el cuerpo, la ropa y el poder.
Antes presentó Artículo 6, el potente cuestionamiento a las esterilizaciones forzadas realizadas en Perú bajo el gobierno de Fujimori: la imagen de mujeres sin cara, cubiertas por densas trenzas negras, vestidas con trajes escritos con la ley vulnerada que les garantizaba sus derechos reproductivos, se transformaron en su marca. Cuando mostró esos vestidos en la pasarela de Nueva York, en 2013, Lady Gaga se fascinó y usó prendas del proyecto Artículo 6.
“Cuando empecé a explorar el diseño de moda descubrí la relación conflictiva entre el sujeto y la prenda. Tuve la suerte de hacerlo cuando en Perú se vivía una gran explosión de arte y diseño, un movimiento colectivo que dio mucha libertad, después de la dictadura”.
Ejercicios en Salud es al fin un proyecto incesante que investiga los cuerpos violentados, la coerción del poder, el alcance de las políticas públicas y, sobre todo, la opresión sexual. Desde constatar que en Perú si se es mujer, indígena y pobre no hay posibilidad cierta de salud, hasta observar la reacción usual ante la forma en que ella viste y peina a su hija de 2 años (con tonos neutros, oscuros y pelo corto), forman parte de los temas que plantea con sus diseños-obra. “La ropa es uno de los objetos más violentos que existen, en las clases sociales y en lo heteronormativo, por ejemplo. Veo la gama de colores en la ropa infantil, y en especial las formas: prendas apretadas para las niñas, el estigma que marca, y es algo que me abruma”, dice vía Skype a revista Paula.
Lucía Cuba se siente parte de una nueva y liberadora ola de diseño peruano que surgió en la posdictadura, a partir de los años 2000, y que se concentra en el barrio limeño de Gamarra, donde convive la moda alternativa con el trabajo de inmigrantes venidos de la sierra peruana, y forman un efervescente centro creativo. Fue cuando ella empezó a hacer su ropa, casi como un juego que luego se volvió serio –muy serio: académico, teórico y práctico– y terminó en galerías de arte de Perú, Bolivia, Holanda y Estados Unidos. “Mi aproximación al diseño no es comercial, sino una búsqueda para expresar diversos temas, pero jamás pensé que la ropa iba a terminar en museos”, explica.
Tras investigar formas, textiles, discursos, últimamente está sumida en el mundo del tejido. Y, como siempre en su trabajo, su investigación es larga: va desde el telar como forma ancestral de labor femenina hasta aprender las técnicas y las posibilidades de los puntos y sus significados.
Una de las iniciativas de Lucía se llama Proyecto Gamarra, este último en el barrio comercial textil limeño, cuya primera colección, llamada Rafia, fue diseñada y confeccionada en rafia reciclada de bolsas de plástico tejido, de común uso en ese lugar.
Desde el 13 al 16 de junio se realizará Moda Desobediente, 1er. Encuentro Internacional sobre Prácticas Críticas, organizado por el Colectivo Malvestidas, formado por la investigadora de estudios contemporáneos de moda Tamara Poblete y la diseñadora teatral especialista en vestuario Loreto Martínez. En el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, sede Forestal, habrá paneles de discusión, talleres prácticos y actividades colectivas lideradas por variadas voces nacionales e internacionales, de diversas disciplinas, con el fin de examinar la moda y cuestionar sus alcances en la cultura local y global contemporánea.
18/05/2017
Lucia Cuba: Fashion, Biopolitics, and Social Criticism
Publicado en: ESSE
In Peru, 300,000 women and 16,000 men were forcibly sterilized during a birth control campaign orchestrated by the Fujimori government between 1996 and 2000. In official speeches and texts, there is no trace of this chapter in history; the state has never publicly acknowledged these violent acts or compensated the victims and their families — most of them from poor, rural, Andean communities. Other examples of government-driven forced-sterilization programs (in China, the United States, India, Sweden, and Canada) bear witness to similar policies of appropriation and disposition imposed on citizens’ bodies.
Outraged that the Peruvian state has denied this campaign and that the victims’ stories remain absent from the public sphere, fashion designer and social scientist Lucía Cuba launched Artículo 6: Narrativas de género, fortaleza y política. Aiming to break the code of silence and influence public opinion, the Peruvian media, and the political program, Cuba, through her project, opens new opportunities for dialogue by means of twelve “actions” — installations, fashion show-performances, videos, conferences, and workshops (2012–17). At the intersection of fashion and activism, these actions revolve around a collection of thirty-four garments printed and embroidered with archived images, symbols, and text fragments drawn from political speeches and victims’ testimonies.
Reinterpreting traditional Andean clothing, the performative garments of Artículo 6 reflect the social and physical trauma engendered by these irreversible sterilizations. Constrictive blouses and braids that cover the models’ faces decry the women’s inability to defend themselves against violations of their sexual and reproductive rights, even though those rights are recognized in the Constitution of Peru. Their bound bodies speak of pain, injustice, and mourning.
These politically textured costumes become vectors of information: activated during encounters with diverse audiences in local and international contexts, they are also outfits of collective memory, reminding us that the victims are still waiting for justice to be done. Unremittingly, through her radically engaged clothing, Lucía Cuba underlines the complexity of the question of human-rights violations in Peru and provokes social change by creating new narratives in alliance with civil society.
01/11/2017
AQ Top 5 Latin American Art Activists: Lucia Cuba
Publicado en: AMERICAS QUATERLY
This Peruvian designer merges fashion with sociology to address issues of women’s health/This article is adapted from AQ’s Top 5 list of Latin American art activists
When Lady Gaga sat for a recent interview to promote her new perfume, the lines of text printed across her dress may have received more attention than the fragrance itself.
The text was Article 6 of the Peruvian health code, a section that guarantees the right of citizens to make their own choices about contraception. The dress was the work of designer Lucia Cuba — a Peruvian-born artist, activist and provocateur.
“Fashion blogs were talking about women’s health and reproductive rights in Peru,” Cuba told AQ outside New York’s Parsons School of Design, where she teaches fashion and social science. “That’s not a bad thing.”
Her art draws heavily both on her work as a fashion designer and her academic studies in psychology and public health — a multidisciplinary background that helps her challenge students to think about fashion not only as commerce, but as a medium that shapes identity, public perception and social norms.
The dress was part of “Artículo 6,” a project developed by Cuba that used garments, photography and publicity “actions” to advocate for nearly 300,000 women in Peru who, during the rule of former President Alberto Fujimori, were medically sterilized — many without consent.
“Of course everyone wanted justice for those women,” Cuba told AQ. “I couldn’t solve the case … but at least I could ask questions.”
Asking uncomfortable questions is central to Cuba’s art, whether in earlier works on the garment industry or in her latest project, “Exercises in Health,” which deals with access to health care — a hot-button issue both in her native Peru and her adopted home of New York.
“We are exploding in terms of rights and society and political activism,” Cuba said. “It’s a moment when we can reclaim agency on issues and recognize that our voice is being heard.”
—
Russell is a senior editor of AQ.
03/01/2018
Articulo 6 Narratives of Gender Strength and Politics. A Fashion and artistic project by Lucia Cuba
Publicado en: THE FUNAMBULIST
Between 1996 and 2000, over 300,000 women and 16,000 men were surgically sterilized through a program called “Family Planning and Reproductive Health Program” implemented during Alberto F. Fujimori’s dictatorial presidential regime in Peru. Most of them came from economically deprived areas in the highlands, the coast and the amazon regions of the country, where the majority of people do not speak Spanish as a first language, and where high rates of poverty, maternity and mortality can be found. “Contraceptive Voluntary Surgery” (“Anticoncepción Quirurgica Voluntaria” in Spanish or AQV’s) was applied massively and systematically on these populations. In this period, it is estimated that only a small percentage of the total population that underwent surgical sterilization gave their full consent.
The majority of the people affected were indigenous people, with their own beliefs, cultural practices and customs. Sterilizations were con- ducted without considering the patient’s cultural background. Several reports indicate that they were taken to local medical centers using false information, pressuring and bribing them and their families so that they comply. In some cases, the medical procedures were executed without consent, using fake signatures and un-translated medical consent forms (from Spanish to Quechua or any other language). Testimonies describe unsanitary conditions in the medical centers, and the poor post-operatory information that resulted in complications, which lead to the death of eighteen women.
In 2001, a brave group of twelve women from the town of Anta, in Cusco, denounced the violation of their rights and the intractable fact that they had being sterilized without their consent, for life. These women’s struggle led to a broader fight for justice, still ongoing, which creates a powerful reminder of how health access, reproductive health, and, overall human rights are affected by the structural inequities our modern societies perpetuates.
Over 16 years have passed since the first cases were reported and yet, there is still no justice for those affected and no sanctions have been issued for those implicated. In March of 2012, the case of forced “Contraceptive Voluntary Surgery” was re- opened by the Peruvian public prosecutor’s office for the third time. As I am writing these lines in December of 2017, the case has yet to be judged and closed.
In 2011, while pursuing graduate studies in fashion de- sign, frustrated about local Peruvian electoral news, and aware of my role — and its limitations — as a Peruvian citizen, I decided to develop further research into the dimensions of gender, sexual and reproductive health, and the idea of strength, in a context of trauma and violence. Even though I had briefly studied the topic of forced sterilizations before, this time I had the opportunity to approach the issue through the lens of design.
In this context, design is conceived as a medium to communicate, a space from which to provoke, and to engage with ideas. Fashion design became the framework through which I would address this case, in various contexts and across differ- ent audiences.
Formally launched in 2012, Articulo 6: Narratives of Gender, Strength and Politics is a project that stands at the intersection of design and activism. It takes the unsolved case of forced sterilizations as a framework to generate dialogues on gender, strength, and politics through conceptual and visual elements, advancing critical thought and connections with notions of body, gender, human and women’s rights, the politics of clothes, among other issues.
The actual Article 6 of the second chapter of the General Health Law of Peru states that “All persons shall have the right to choose freely the contraceptive method they prefer, including natural methods, and to receive, prior to the prescription or administration of any contraceptive method, appropriate information on the methods available, their risks, contraindications, precautions, warnings, and the physical, physiological, or psychological effects that might be caused by their use. The application of any contraceptive method shall require the prior consent of the patient concerned in the case of permanent methods, the declaration of consent shall be recorded in a written document.”
Perpetuators of this massive sterilization program violated the 6th Article of the General Health Law. The article gives the project its name, emphasizing the fundamental importance of “the right to choose a contraceptive method,” as well as underlining the paradigmatic distance between people and this right, created by a language barrier (Spanish) and the medium that sustains it (written text).
Articulo 6 explores different narratives related to the case and uses testimonies of the people affected, fragments of political speeches, research documents and laws, as well as other textual and visual content as raw materials for the project’s collection of garments and twelve “actions.”
These actions are developed through performances, meta pieces, exhibitions, video, photo, conferences, installations, workshops, among other forms of activations. They are meant to underscore the potential of garments to impact and intervene in different social contexts, as well as their ability to generate alliances and enable further discussions between various stakeholders.
The project’s garment collection conceives of garments as having agency (see Webb Keane, “Signs Are Not the Garb of Meaning” 2005) and that, as agents of change, garments can be viewed as part of that which constitutes and forms lives, cosmologies, reasons, causes and effects. It also considers that objects can become mediators of relationships between humans, activating new connections between thought, things and people (see Bruno Latour, Reassembling the Social, 2005).
These garments were made with mixed techniques (embroidery, weaving and printing), and are based on the deconstruction and re- interpretation of the imaginary behind Andean garments. Their production (serial and monochrome) references the standardization and militarization of public health policies, as well as to the strength, resistance, and fighting capacity of people to face the violation of their sexual and reproductive rights. The twelve actions of the project — activated since April of 2012 and still ongoing — bring the pieces closer to different audiences, so that they may not only appreciate them visually, but also through the recognition of politics of information and disruption triggered by clothes as agents of knowledge and awareness.
Articulo 6 garments are not intended to circulate as commercial objects. Their activation depends on the willing- ness of different actors to use them. Once activated, they are returned to the designer for another activation in the future. It is important to bring the case of forced sterilizations to the forefront of public opinion and raise awareness of the need to respect, remember and bring justice to those affected by this vertical and discriminatory public policy that must not be repeated.
Lucia Cuba’s work critically approaches fashion design and the construction and exploration of garments as performative and political devices. She has developed projects concerned with health, activism, education, and the study of non-Western fashion systems, driven by the desire to harness the agency of clothes and question the established language of design, as experienced today, and by the attempt to broaden the potential grammars of critical action through clothes, both as wearable devices and as affective and embodied cultural media. She currently works as a Professor of Fashion at Parsons, The New School for Design and as an independent designer.
29/09/2016
Brooklyn Textile Artists Weave a Delicate Social Fabric
Publicado en: VICE/CREATORS
A fiber arts exhibition in Brooklyn points out that textile production doesn’t just result in fabrics that we can touch, it plays a crucial role in the creation of social fabric as well. Material Cultures is a group exhibition at BRIC Arts, which features work by artists that make work informed by textile production processes. As the exhibition’s press release explains: “One of the oldest forms of human production, textiles maintain profound connections to history, ritual practice, cultural identity, creative expression, and politics.”
The concept of the exhibition took shape when BRIC Arts approached Brooklyn’s Oak Knit Studio and TATTER founder Jordana Munk Martin. As Martin tells The Creators Project, her curatorial decisions were guided by TATTER’s mission statement: “to promote the consciousness of cloth by considering, and celebrating cloth’s intrinsic and essential relationship in human life—through portals that include but are not limited to: art, shelter, comfort, science, commerce, and culture.” Martin admits that her biggest challenge in the curatorial process was narrowing down the vast array of work that relates to textile productions, and ultimately chose to focus on “artists informed by very essential aspects of textile.” The resulting exhibition brings together the work of eight artists from a diverse array of backgrounds, including: Laura Anderson Barbata, Xenobia Bailey, Lucia Cuba, Adrian Esparza, Elana Herzog, Lorenzo Hurtado Segovia, Sophia Narrett, and Marela Zacarias.
The role textiles play in our daily lives as garments is a concept explored by some of the works in the exhibition. Laura Anderson Barbata’s installation illustrates the political and social implications of indigo dye in textile production in a series of costumes. Social issues are also present in the work of Lucia Cuba who created wearable works that are developed through interviews with individuals dealing with cancer.
Some of the works in the exhibition approach textile production from a more traditional perspective, like the work of Xenobia Bailey, who uses crochet techniques to produce colorful mandalas that relate to the history of African American culture. Other works made from traditional textile processes include Sophia Narrett’s embroidered paintings of American popular culture. Meanwhile, works by artists Lorenzo Hurtado Segovia and Marela Zacarias use materials that aren’t traditionally related to textile processes at all. Instead, Zacarias’ wall-hanging plaster sculptures, and Segovia’s woven paper pieces reference the aesthetics of traditional textiles.
In contrast to the textile fabrication processes, some of the works in Material Cultures examine the social impact of textile production by deconstructing those processes. Starting with an iconic garment like a sarape, Adrian Esparza explores cultural identity by unraveling the garment into a colorful, abstract installation. Elana Herzog’s installation also looks at taking things apart and consists of a disintegrating Persian rug that she stapled to the wall to illustrate ideas of collapse and growth within civilization. Material Cultures reminds the viewer that, although it can be easy to forget about the importance of materials as ubiquitous as fabric, textile production is a powerful lens through which to understand culture. “The hope is that through extremely dynamic, ambitious work, all which highlight the power of textiles specifically as amplifier, that we see textiles for the fertile medium that they are,” says Martin.
Take a gander at all the work in Material Cultures at BRIC Arts in Brooklyn through October 23, 2016.
08/03/2018
Viste la protesta
Publicado en: REVISTA FOLK
Lucia Cuba es diseñadora peruana de moda y psicóloga social especializada en salud pública.
[…]
11/04/2018
Lucia Cuba
Lucia Cuba critically approaches fashion design and the construction and exploration of garments as performative and political devices. Cuba’s work has been exhibited at the Boijmans Van Beuningen Museum (Rotterdam), the Museum of Arts and Design (New York), at Museo Amparo (Puebla), the Albuquerque Museum (NM), the OCT Art & Design Gallery (Shenzhen), at BRIC Arts Media (BK), among other locations. She currently works as an Assistant Professor of Fashion at Parsons School of Design, and as an independent designer at The New School University.
+ link
22/01/2019
United States Artists Names 2019 Fellows
Publicado en: ART NEWS
The Chicago-based nonprofit United States Artists has revealed its list of 2019 fellows, who will each receive an unrestricted $50,000 cash prize. The 45 fellows this year, who are all based in the U.S., were awarded in 10 categories: Architecture & Design, Craft, Dance, Film, Media, Music, Theater & Performance, Traditional Arts, Visual Art, and Writing.
Among the fellows are filmmaker Nuotama Frances Bodomo (who was featured in the ARTnews “Africa Now” issue); the Detroit-based collective Complex Movements; and artists Firelei Báez, Juliana Huxtable, Wu Tsang, Cecilia Vicuña, and Simone Leigh (who also won this year’s $100,000 Hugo Boss Prize).
“What I love about this group, collectively, is that it really feels like they’re collapsing the distance between all these disparate disciplines while also maintaining the legacies of the things they make,” Deana Haggag, the president of United States Artists, told ARTnews. She pointed to the diversity of the fellows as a sign that the 2019 awardees reflect the makeup of the U.S. “I feel, especially at this moment in our country, it’s nice to look at a group of folks who look like the people we live around every day,” she said.
Here is the complete list of 2019 fellows:
Architecture & Design
Erin Besler & Ian Besler, architects and designers, Princeton, New Jersey, and Brooklyn, New York
Lucia Cuba, designer and textile artist, New York
Keller Easterling, writer and designer, New Haven, Connecticut, and New York
Craft
Coulter Fussell, quilter, Water Valley, Mississippi
Samuel Harvey, ceramicist, Aspen, Colorado
Michelle Holzapfel, wood carver, Marlboro, Vermont
Janice Lessman-Moss, digital weaver, Kent, Ohio
Carole Frances Lung, social practice and performance artist, Long Beach, California
Dance
David Dorfman, choreographer, New London, Connecticut
Lenora Lee, dancer and choreographer, San Francisco
Alice Sheppard, dancer and choreographer, Los Altos, California
Merián Soto, dancer and choreographer, Philadelphia
Yara Travieso, choreographer and filmmaker, Brooklyn, New York
Film
Nuotama Frances Bodomo, filmmaker, Queens, New York
Ramona S. Diaz, documentary filmmaker, Baltimore
Julia Reichert & Steven Bognar, documentary filmmakers, Yellow Springs, Ohio
Media
Hyphen-Labs, designers, New York
Mitra Kaboli, multimedia artist and podcaster, Brooklyn, New York
Music
Reena Esmail, composer, Pasadena, California
Helado Negro, avant-pop musician and performer, Brooklyn, New York
Susie Ibarra, percussionist and composer, New Paltz, New York
Roscoe Mitchell, multi-instrumentalist and composer, Oakland, California
Tunde Olaniran, pop musician and performer, Flint, Michigan
Jen Shyu, vocalist and composer, Brooklyn, New York
Theater & Performance
Charlotte Brathwaite, director, New York
Rashida Bumbray, choreographer and performer, Brooklyn, New York
Teo Castellanos, theater artist, Miami, Florida
Complex Movements, installation and performance collective, Detroit, Michigan
Frances Ya-Chu Cowhig, dramatist, Santa Barbara, California
Kaneza Schaal, theater artist, Brooklyn, New York
Traditional Arts
Juan Díes, Mexican folk musician, Chicago
Gabriel Frey, traditional basketmaker, Orono, Maine
Arthur López, wood sculptor, Santa Fe, New Mexico
Allison Akootchook Warden, multidisciplinary artist and performer, Anchorage, Alaska
Visual Art
Firelei Báez, multidisciplinary artist, New York
Juliana Huxtable, multidisciplinary artist and writer, Brooklyn, New York
Simone Leigh, multidisciplinary artist, New York
Wu Tsang, filmmaker and artist, Los Angeles
Cecilia Vicuña, multidisciplinary artist and poet, New York
Dyani White Hawk, painter and mixed media artist, Minneapolis
Writing
Lesley Nneka Arimah, fiction writer, Minneapolis
Lisa Armstrong, journalist, Brooklyn, New York
Lynda Barry, cartoonist, Footville, Wisconsin
Tarfia Faizullah, poet, Dallas, Texas
Rebecca Gayle Howell, poet, Lexington, Kentucky
26/09/2019
“In the Historical Present,” A Hidden Gem: The New School’s Past and Present Unite in Immersive Gallery
Publicado en: The New School Press
Nestled in the back corner of the Sheila C. Johnson Design Center, the Anna-Maria and Stephen Kellen Gallery is currently home to “In the Historical Present,” an exhibition that features interactive art pieces and provides a space designed to foster community on campus.
Developed by curators Macushla Robinson (MA Liberal Studies ‘17) and Anna Harsanyi (BA Liberal Arts ‘08), “In the Historical Present” is a showcase of art centered around the New School’s year-long Centennial celebration. With commissioned works by 13 artists, the exhibition is a commentary on the school’s legacy, with pieces incorporating themes of protest, sexuality, and race. “I think that the idea of the historical present [is] more like a metaphorical vessel for holding the complexity of a place that calls itself the New School, celebrating 100 years, [and] the paradox of that whole concept,” Robinson said.
The exhibition analyzes the highs and lows of the New School’s 100-year history. A piece titled “19” by Sheila Bridges (AAS Interior Design ‘93) is featured in the exhibition and explores the subject of race relations within administrations and institutions. Phrases like “White Privilege” and “White Supremacy” replace general names for the white paint to explore the pervasive issues of slavery and colonialism in modern society.
The curatorial duo worked together to develop the exhibition rather quickly, Robinson shared. They finished the show with three years’ worth of planning in just one year’s time. “We were asked to curate something in response to the Centennial at the New School. That creates quite different conditions for how an idea is generated. So, the catalyst for the show is this event,” Robinson said, referring to the 100 Years New celebration that will take place next month.
Robinson and Harsanyi said that their goal was to create an exhibition that is representative of the varied New School community. “The students are making the institution in many ways. So, as much as the institution exists within its own parameters, historically, the students here really [have] pushed back against that and had a certain level of a refusal to accept a certain discourse,” said Harsanyi.
An interactive section of the gallery features texts, posters, and photo slides from the New School’s archives, showcasing the history of protest and power within the school’s community. “It’s weird, because I’ve never been in a gallery-like [this] before, where you’re just openly hanging out,” said fourth-year Culture and Media major Lindsey Garretson.
The exhibition also works as a community-building space. Fixed in the center of the gallery is a carpet with pillows and beanbags, strategically placed to allow students to digest the art. “[I like] the way that they’ve made the space for people to really engage. We’ve had people come and just sit on the carpet and it’s really cool,” said Garretson, who works as a security guard at the exhibition.
“We’re really interested in the movement in between historical touchstones and telling multiple stories that might not even be considered important, like the daily life of the school, or the social history of the school, [or] what students do when they’re just in their dorms hanging out. That’s an important historical concept,” said Harsanyi.
Using small magnifying glasses, students can get a glimpse into the past through a light table covered in photo slides. Photo by Allison Foster
Robinson and Harsanyi have organized a series of programs and events to encourage further examination of the past and plan for the future. These events, which began on Sept. 11, will be held in the Anna-Maria and Stephen Kellen Gallery and hosted by featured artists. One event series, titled “Black Lunch Table,” is a collaboration started by artists Jina Valentine and Heather Hart that intends to discover gaps in record-keeping for artists of color in art history and bring attention to them through conversation.
“In the Historical Present” is an enlightening, immersive art space nestled right on campus. Combining social commentary and New School history with excellently crafted art pieces, the gallery is a fitting addition to the Centennial celebration.
“It’s really hard to pick a favorite piece. I don’t know if you can.” Robinson said. “I always say that having an exhibition is how I imagined having a baby is. You forget all the pain when everything goes up on the wall and you see it and it’s real. That’s a very euphoric experience.”
“In the Historical Present” will be on display in the Anna-Maria and Stephen Kellen Gallery until Oct. 6. More information about future events hosted by Robinson and Harsanyi for “In the Historical Present” can be found on their website.
07/09/2019
“MEMORIA ESCINDIDA”, una exposición de arte que debes visitar
Publicado en: Lima Gris
Hace unos días se inauguró en el Centro Cultural Ricardo Palma la exposición colectiva “MEMORIA ESCINDIDA-Arqueología de la posmodernidad en ruinas”. Allí se muestran los trabajos de siete artistas mujeres que frontalmente vienen asumiendo un rol responsable a través de sus voces con algo que no debe dejar de ser fundamental en una sociedad que se precie de civilizada: La memoria nacional.
Generalmente el “arte conceptual” (muletilla inevitable que está de moda desde hace dos décadas) que hoy respira el establishment limeño se ha erigido como una condición de rigor a la hora de presentar proyectos que finalmente terminarán en una sala llámese de arte, so pretexto de empoderar la idea y/o narrativa de la obra, sobre lo que representa el verdadero rigor objetual de la misma. Sin duda, aquellos valores reflejan el creciente poder que hoy ostenta la posmodernidad reinante.
La decepción se ha convertido en una sensación cotidiana cuando habitualmente asistimos a una sala de exposiciones para visualizar y entender las “obras de arte”, porque además de soportar las lecturas de los ploteos convertidos en textos complejos y firmados básicamente por los curadores de turno (no sabemos realmente qué curan, más allá de los males que les trasmiten a los artistas) apena mucho más ver trabajos inconsistentes, carentes de todo sentido, sin ningún oficio ni rigor, y sin un sentido de la estética, porque la enfatización de sus propuestas discursivas más allá de lo objetual, terminan por despeñarse en el vacío de sus proposiciones que de concepto, la verdad no tienen nada.
No así con la muestra MEMORIA ESCINDIDA-Arqueología de la posmodernidad en ruinas, donde el espectador desde que desciende a la sala Porras Barrenechea es testigo de una narrativa articulada que muestra a una sociedad en ruinas, que ha ido degenerándose lentamente a través del tiempo con prácticas sociales como la gentrificación, y la ausencia de integración entre los ciudadanos a pesar que la internet alimenta las comunicaciones a la velocidad de la luz, no obstante la gente sucumbe a la individualización y más prefiere hablar con la pantalla virtual del Smartphone que con su propia especie.
Asimismo, aquella frase del título: Arqueología de la posmodernidad en ruinas se muestra acertada con las propuestas que uno ve, y que van desde el dibujo, escultura, cerámica, grabado sobre acero, impresión digital, e instalación sonora. Aquellos trabajos no solo sobresalen por la contundencia de sus conceptos, pues, además cumplen con el menester de la estética objetual que debe poseer toda obra de arte, lo que en otros términos significa: “No debes hablar, ni dar un discurso sobre tu obra; porque ella debe hablar por sí misma”.
En ese sentido, los trabajos están a la altura de la metodología de la curaduría que fue realizada por Luisa Fernanda Lindo, que por cierto ha sabido empatizar muy bien con cada uno de ellos, a tal punto (y quizás me apresuro en afirmarlo) que ha logrado crear una verdadera sinergia precisamente entre curadura-artistas-espectadores. Asimismo, la crudeza de los temas abordados, si bien manifiestan una especie de indolencia del sistema social, tampoco es menos cierto que la sutileza empleada en los trabajos le da un valor agregado que definitivamente coadyuva a lo que se denomina mirada artística.
Cabe resaltar la instalación sonora RESISTENCIA de Ana Cecilia Farah que está plasmada en un mural a modo de collage que refleja a un olvidado barrio de Santa Cruz en Miraflores que se ha resistido a aquella implacable gentrificación que en los últimos años más se ha dedicado a posicionar al boom gastronómico.
Igualmente, la obra que desde un principio nos inquieta como espectadores es “ARTÍCULO 6” de Lucía Cuba. Aquel trabajo consiste en doce vestibles que simulan ser doce mujeres que llevan un peculiar atuendo algo espeluznante, por el hecho de haber sido vulneradas sobre sus cuerpos con aquella oscura práctica del régimen fujimorista denominada esterilizaciones forzadas. En tanto, el título de aquel proyecto de diseño obedece al sexto artículo de la Ley General de Salud del Perú, cuya literalidad señala: “Todas las personas tienen el derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia, y a recibir información adecuada sobre los métodos disponibles y su riesgos”. Lo insólito se da, porque a pesar de aquel artículo de la mencionada ley, aquellas mujeres no tuvieron la opción de elegir, y a pesar de haber transcurrido más de veinte años, el Estado peruano tampoco se digna a resarcirlas por los daños ocasionados, que son más que irreversibles.
En suma, la exposición colectiva se muestra acertada e interesante para el público que aún requiere identificarse con la memoria de nuestra sociedad que lamentablemente a través de campañas de desinformación se ha mostrado escindida para confundir a los peruanos que en su mayoría se han entregado al olvido…
El dato:
Nombre de la muestra: MEMORIA ESCINDIDA-Arqueología de la posmodernidad en ruinas.
Artistas participantes: Lucia Cuba – Ana Cecilia Farah – Rossana López Guerra – Natalia Revilla – Mariana Riveros – Iliana Scheggia – Patricia Villanueva.
07/02/2020
En la intersección de la moda y las ciencias sociales, la artista peruana Lucia Cuba utiliza la vestimenta como agente de cambio social
Publicado en: Vanda Magazine
Combinando intervenciones y acciones, la obra de Lucia Cuba, más que interesarse por la mera apreciación estética, busca traer al frente temas centrales de la opinión pública. Para ella, la indumentaria sirve como agente exploratorio que invita a cuestionarse y a replantear las percepciones humanas de la salud y el género, la política y las prácticas de la moda. La limeña proviene de una tradición profundamente académica y cuenta con una impresionante lista de estudios que incluye una licenciatura en Psicología con Maestría en Psicología Educacional y Desarrollo Humano, un doctorado en Salud Pública y una Maestría en Diseño de Modas y Sociedad de la renombrada escuela de arte y diseño Parsons de Nueva York.
No en vano, su inquietud intelectual y sus exploraciones interdisciplinarias en los ámbitos de la moda, la salud y el arte le han valido una serie de galardones que incluyen
El Programa Fulbright (2010), el “Premio de Moda” de la Bienal de Diseño Iberoamericano (2012) y el “Hans Nefkes Fashion on The Edge Award” (2014), en el marco de la exhibición “El futuro es Ahora” en el Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam. Ahí participó junto a talentos de la talla de Iris Van Herpen y Craig Green y se convirtió en la primera latinoamericana en recibir este galardón. Autodenominada como multitasker, Cuba actualmente divide su tiempo entre la maternidad, sus proyectos y desempeñarse como profesora de diseño de moda en su antigua alma mater, Parsons.
La educación norteamericana siempre ha estado más enfocada en lo práctico y lo comercial. ¿Se preocupan más ahora por el contexto?
Me parece un momento interesante para pensar en la moda, dentro del ámbito del diseño, como campo de práctica y estudio. ¿Por qué la moda no lleva el mismo tipo de conversación que ha podido desarrollar el diseño industrial, el publicitario, el arquitectónico, el ambiental…? Tantas otras vertientes del diseño han desarrollado muchísimas teorías de sus propios modelos, de cómo interactúan con el usuario, esa idea del user-centered design.
Hablar de diseño “funcional y utilitario” a la hora de preparar a un joven, nos permite situarlo en un programa en el cual no se está “diseñando por diseñar”, sino para responder con fundamento, de manera consistente y crítica en todo sentido, a una necesidad. Que pueda plantearse preguntas que trasciendan la noción comercial de la moda.
En general, ¿a la moda le falta contenido? ¿Incluso la comercial?
Sí desde una perspectiva, pero al mismo tiempo sería injusto porque es muy válida y muy densa desde otro ángulo. Lo que de nitivamente le falta es una comprensión mayor. De
las distintas prácticas que pueden coexistir en la moda, hemos tenido la demostración, un protagonismo casi único, de un solo modelo. Aquél que se vincula solamente a la esfera
de lo banal, de lo super cial. De lo que no tiene sentido más allá del lujo, de la exclusividad y la distinción; que, por supuesto, forma parte de la conversación pero no es lo único.
Es algo que trato de respetar siempre en mis proyectos. Lo importante termina siendo la posibilidad que tienen distintos públicos de interactuar con lo que uno desarrolla, y no hay público correcto o incorrecto.
¿Qué le llevó a preferir exhibir en un museo en vez de una pasarela?
Cuando creé mi propia marca no tenía ningún objetivo específico en mente, estaba literalmente explorando, tratando de entender y aprender. Desde pequeña tenía un modelo de construcción de ideas sobre identidad de vestuario bastante más libre. Y esa libertad tenía que ver con la seguridad económica con la que contaba porque yo tenía otro trabajo en la salud pública.
Empecé a estudiar diseño de moda, entre el 2004 y 2005, en el Perú post Alberto Fujimori, post dictadura, en donde el arte en general se desbordó totalmente, vivíamos en una represión total. No es la única razón por la cual esto ocurre pero la movilización social, el arte y la cultura, todo explotó positivamente. Tuve la suerte y una buena conciencia de comenzar a interesarme por la moda en esa época.
Entonces, al tener una marca participé en des les y todo lo que se movía a nivel local, en el Perú Moda y Flash Mode, que son plataformas que apoyan al talento emergente. Pero luego, ya conociendo todo lo que conllevaba tener una marca, descubrí que no me llenaba ni me aportaba mucha felicidad. Entonces me retiré a trabajar en un espacio privado.
Pasaron dos o tres años de transición y entendí que no me interesaba trabajar para otra empresa, ni diseñar para alguien más, no quería vender por vender. Empecé un diálogo con mi otro yo profesional para entender cómo la psicología interactuaba de manera más formal con el diseño de moda. Empecé a abrirme más a la lectura sobre teoría de la moda y sobre las construcciones críticas de la teoría de la moda. Y poco a poco, de manera orgánica, surgió uno de los primeros proyectos que me permitió ver de forma más concreta esa posibilidad de interacción entre las ciencias sociales y el diseño de moda: El Proyecto Gamarra.
EL PROYECTO GAMARRA
Gamarra es un gran centro comercial e industrial ubicado en el distrito de La Victoria en Lima, Perú. Comprende alrededor de 24 bloques y alberga casi 65 000 servicios destinados al rubro textil y de la moda. Hoy en día Gamarra es una de las zonas de comercio más cotizadas de la capital Peruana. Su crecimiento acelerado en los últimos 40 años ha generado empleos y ha dado paso a nuevas empresas y marcas; sin embargo, la falta de plani cación ha dejado que reine la informalidad, la precariedad laboral, la inseguridad y la desorganización. Hasta la fecha, Gamarra no ha contado con claras estrategias que optimicen su crecimiento y mejoren su impacto nacional e internacional. Por ello, Lucia Cuba ha querido hacer un llamado urgente a la planificación estratégica, la educación, la comprensión y la acción dentro y fuera de este coloso textil.
¿Cómo se desarrolló el Proyecto Gamarra?
Mi planteamiento era reconocer que el emporio comercial de Gamarra existía más allá de la localidad geográ ca. La idea era literalmente esa, llevar al Emporio Comercial de Gamarra más allá, fuera de Gamarra, y después volver al él, y desarrollar iniciativas que permitiesen hablar de creatividad y no sólo de producción comercial.
Todo comenzó cuando fui invitada a participar como, ‘diseñadora consagrada’, en el “Concurso Jóvenes Creadores” en Perú, donde años antes me había presentado como diseñadora emergente. La temática giraba alrededor de la moda ética, y en aquel momento, en Perú, eso se refería al trabajo con comunidades y concretamente con la alpaca.
Yo planteé la moda ética pensando cómo me relacionaba con el sistema y la moda local. El 90% de las personas que hacían moda en Perú obtenían sus insumos de Gamarra. Entonces, ¿cuál era la relación que teníamos con ese espacio comercial? No se reconocía a gamarra como actor en ese sistema.
La obra se basa en la serie de esterilizaciones forzadas que ocurrieron durante el gobierno de Alberto Fujimori entre 1996 y 2000. Su nombre hace referencia al Artículo Sexto de Ley General de Salud del Perú: “todas las personas tienen el derecho a elegir libremente el método anticonceptivo de su preferencia, y han de recibir información adecuada sobre los métodos disponibles y sus riesgos”.
Cuba recogió testimonios de las personas afectadas, discursos políticos, legislatura y documentos de investigación que luego plasmó en prendas de vestir y 12 acciones que incluían instalaciones, performances, talleres, vídeos y una serie fotográ ca, realizada por su amigo y fotógrafo documentalista Erasmo Wong S.
Estas imágenes tienen muchos elementos para interpretar, la manera en la cual está cubierto el rostro…
Hay una alusión directa a la comunidad indígena, más no exclusivamente peruana, por utilizar la trenza especí camente para cubrir el rostro. Por otro lado, la intención era darle un rostro anónimo, femenino, que además pudiese dialogar con la idea de belleza en relación a la fotografía de moda, donde no se necesitaba maquillaje y un estilismo específico.
Todas las piezas desarrolladas tienen mucho de material de interpretación, desde el bordado, la impresión, hasta la serigrafía. También en cuanto al diseño y la construcción: el plisado, las capas, interrupciones en las prendas, cortes en las partes de atrás, en las partes genitales, situados especí camente donde el cuerpo físico es violentado por un proceso quirúrgico. En la foto no se aprecia, pero hay un cinturón exageradamente largo que permite dar múltiples vueltas alrededor del cuerpo, atarlo, desatarlo…
La construcción de imágenes responde a esa complejidad que me interesa presentar. Desde como están vestidas, hasta la forma en la cual están paradas, la conversación en la cual se encuentran, si se tocan o no se tocan, el pelo de qué manera está…
EJERCICIOS EN SALUD
Ejercicios en Salud nace en 2014 como proyecto que explora la nociones humanas sobre la salud a través de objetos de vestir. La muestra está compuesta por cuatro trajes que recogen las historias de cuatro personas que se aproximan a su condición de salud a partir de un diagnóstico de cáncer. Cada prenda fue tejida en algodón y en su interior lleva bordados fragmentos de textos de las entrevistas a los sujetos.
¿Cómo surgió Ejercicios en Salud?
Mientras hacía el proceso de investigación cuatro personas muy cercanas a mí fueron diagnosticadas de cáncer en menos de cinco meses. Incluyendo a mi mamá y a un primo apenas 3 años mayor que yo. Sostuve conversaciones con esas cuatro personas en un contexto bastante intenso porque yo tenía una relación afectiva directa con ellas. Tenia una necesidad de investigar cómo hacemos nuestras construcciones sobre la salud en condiciones extremas, como en el caso del cáncer.
La primera materialización de este ejercicio se dio a través de una instalación en Rotterdam en el marco de la exposición “El Futuro de la Moda es Ahora”. Fue interesante plantear una conversación que ya crecía después de artículo 6, que utilizaba otro recurso que es el tejido. Este además me permite pensar en la vida de lo téxtil, en su construcción, lo manual, el craftsmanship en un sentido totalmente distinto a todo lo que yo había hecho antes. En ese diálogo, la narrativa presentada a través del tejido me permitía hablar de un contexto, una persona, un color, una condición, textura, el peso del material, etc. A la vez, de una forma simbólica, trata de llamar la atención de alguien que pudiese interactuar con la conversación que yo había tenido.
El que viene después tiene que ver con salud sexual y reproductiva especí camente. Ya hay un ejercicio desarrollado que se llama “Genitalia” que continúa como parte Ejercicios en Salud y que tiene que ver concretamente con la prevención del VIH, SIDA y las enfermedades de transmisión sexual. También plantea momentos o hipótesis en donde lo verbal tiene un rol de nitivo en la toma de decisiones.
15/08/2020
Escuelas de moda en la pandemia: sobre la docencia con Lucia Cuba
Al igual que Lima, Nueva York tiene poco más de 8 millones de habitantes. A la fecha, el estado emblema del país más rico del mundo ya superó los 24 mil fallecidos a consecuencia de la pandemia. Cosmopolita y artística, la ciudad que nunca duerme se apagó luego de que sus museos, tiendas y teatros cerraron para adaptarse a la “nueva normalidad”.
Otra parte importante del espíritu de la gran manzana es la educación superior. Las universidades y colleges neoyorkinos son espacios a donde llegan miles de personas de diferentes partes del mundo. Estudiar aquí no es meramente una cuestión de absorber conocimiento, sino también de dejarse absorber por toda una experiencia en sus emblemáticos campus. Hasta fines del 2019, la población universitaria extranjera de Nueva York era de 124,000 estudiantes. La grave situación de la salud pública hizo que la digitalización de las clases sea sólo uno de los cambios importantes que le esperaba al sector. Entre cierres de fronteras, crisis económicas y una fuerte crisis de alojamiento, muchos alumnos que debían regresar del spring break ya no lo hicieron. Al clima tenso por estas repercusiones, se le sumó la aparición del movimiento de protesta social Black Lives Matter (Las vidas negras importan).
Lucía Cuba es maestra de pre y postgrado en la prestigiosa escuela Parsons, perteneciente a The New School. La docente y diseñadora peruana conversa sobre lo que fue y continúa siendo una transición sin precedentes en medio de nuevos males y de otros no tan nuevos.
FNF: ¿En qué situación estaba cuando comenzó toda esta disrupción?
LC: Me encontraba dictando un curso anual de Tesis para el programa de Bachillerato en Diseño de Moda y mis alumnxs estaban por graduarse en mayo. Para la mayoría tanto docentes como alumnxs hubo cambios significativos en sus vidas, así como en el desarrollo y ejecución final de sus cursos, y definitivamente, de la posibilidad de ejecución de los proyectos de tesis que habían inicialmente planeado (tipo de objetos a presentar, productos o procesos con los que se había esperado iban a terminar el programa, etc.).
Intentamos brindar soporte primero para determinar si les era posible o no continuar con el semestre, luego para explorar la viabilidad de sus proyectos de tesis en función a las disrupciones y restricciones tanto sociales como personales. Por otro lado, muchxs retornaron a casa (en otros países), por lo que también nos vimos retadxs por la complejidad de dictar clases para alumnxs en distintas zonas horarias, de no contar con la conectividad necesaria para optimizar el proceso de aprendizaje de manera remota, y por su puesto, por el simple y complejo hecho de tener llevar clases en medio de disrupciones significativas (incluyendo pérdidas humanas cercanas), a la par con otras múltiples situaciones intensas y complicadas que suponen un estado elevado de incertidumbre, miedo y trauma.
El contar con la presencia del alumnado se volvió entonces el primer reto…
Definitivamente las disrupciones fueron considerables, y esto implicaba no sólo esperar que lxs alumnxs puedan continuar en las clases, si no que también lo puedan hacer a pesar del proceso complejo y doloroso, vinculado también a la pérdida y al trauma, y al mismo tiempo, al logro, en la medida en que muchxs alumnxs estaban también próximos a graduarse de un programa de 4 años de inversión.
En medio de la incertidumbre, muchas personas regresaron a sus países de origen o intentaban hacerlo (en programas universitarios en NY hay mucha gente que viene de distintas partes del mundo, y frente al cierre de fronteras y a la expansión de la Covid-19, esta era para muchxs la única solución). Esto añadido al hecho que, por temas de salubridad, la mayoría de dormitorios universitarios para estudiantes cerraron y muchxs se vieron en la obligación de reubicarse, ya sea en NY o en otras ciudades. A la pandemia misma, se le sumó también la complicada situación socio-económica del país, así como las políticas anti-migratorias y racistas que el Estado viene ejecutando – y promoviendo- y que, en el contexto de la academia/universidad en los EEUU, supone un reto adicional tanto para alumnxs, docentes y administradores educativos (por el carácter internacional de esta comunidad en relación a las visas de estudiante y de trabajo).
Ya para cuando la pandemia se expandió en NY, The New School Univeristy (al igual que otras universidades) también tomó la decisión de transicionar a educación remota, y esto justo coincidió con la mitad de semestre, restando sólo 7-8 semanas para acabar el semestre y el año académico. En este contexto de urgencia se adaptaron también distintos formatos académicos de calificación, así como de pago de pensiones y acceso adicional a becas de emergencia, algunas de estas iniciativas, de hecho, siguen activas para el siguiente semestre. De hecho, las universidades en los EEUU han actuado de distinta manera, y ello respondió – y responde- también no sólo a la administración universitaria, si no también al gobierno y la respuesta a la pandemia que, en este país, sólo se ha podido atender y planificar a nivel de gobiernos, más no hay un plan nacional de control de la Covid-19).
¿Y cómo ha sido esta transición en Parsons?
Sigue siendo un gran reto, de hecho, estamos próximos a empezar el año académico. Dependiendo del carácter del curso (ya sea práctico, técnico, teórico), y del programa (pre/ post-grado), estamos ofreciendo una malla curricular que concentra más cursos teóricos que prácticos, en especial, aquellos cursos que pueden funcionar mejor con sesiones híbridas y que no requieren al 100% maquinaria o procesos especializados.
Estamos también haciendo uso de los soportes digitales que tenemos como universidad, usando el aula virtual en donde se accede a materiales y recursos diversos como foros, sesiones asincrónicas y sincrónicas, y, en general, promoviendo un esquema mucho más flexible de participación (considerando también la diversidad y complejidad frente al acceso a internet, así como la diferencia horaria de nuestro alumnado). Y tratando de mantener un estándar de calidad que nos permita continuar desarrollando al máximo los objetivos de aprendizaje, así como elevando la experiencia educativa, dentro de la limitación misma de la plataforma/comunicación virtual (a comparación de la participación presencial). Los docentes, al igual que en otros centros de educación universitaria, nos encontramos también llevando cursos de capacitación, y tratando de reconocer mejor de qué manera optimizar las plataformas que tenemos, y a las limitaciones con las que venimos trabajando (así como las nuevas que se presentarán).
Sin embargo, hay lugares que están retomando sus actividades a pesar de que el resurgimiento de las olas de contagio es aún una posibilidad…
De hecho, sí, al menos en algunas instituciones en NY se espera que esto sea posible dado que el virus está en estado “controlado” y el nivel de contagio, por lo pronto, se ha contenido. Se explora el que, de manera limitada y dependiendo de la actividad y del espacio físico necesario para la misma (aforo/infraestructura), algunos de nuestros laboratorios especializados, o espacios de estudio abierto puedan ofrecer algún tipo de servicio. Pero esto no está aún confirmado y varía de acuerdo a las normas legales que la ciudad también promueve, y que priorizan a la salud pública de los habitantes.
Para nosotros este semestre que viene (y que da inicio el año académico) será un 99.9% remoto. Algunas universidades del país han indicado que esto será así por todo el año académico (2020-2021), otras han indicado que abrirán de manera “regular” pero tomando las medidas de salud pública necesarias. Lamentablemente ya van saliendo a flote nuevos brotes de Covid-19 en instituciones que han optado por abrir sus campus, así que esperamos las directivas sigan variando de acuerdo a la evolución misma de la pandemia.
Es una coyuntura bastante compleja, porque, como comentábamos antes, los intereses políticos siguen afectando también la posibilidad de planificación de las instituciones educativas, así como la de lxs estudiantes y de sus familias. Por un lado, por no contar con un plan de acción para atender a la pandemia a nivel nacional (no lo hubo y no lo habrá), y por otro lado por las políticas anti migratorias y racistas, que agudizan la crisis económica y social a nivel nacional, y mundial.
(Continúa: https://fastnotfash.com/escuelas-pandemia-lucia-cuba/ )
13/10/2020
Episode 03: Lucia Cuba
Publicado en: INSTITUTE FOR CULTURAL ACTIVISM
Lucia Cuba, Fashion and Textile Artist-Activist
Lucia Cuba’s work approaches fashion, textiles, design, and the exploration of garments and other wearable forms as performative and political devices, broadening the understanding of the role of design objects from purely functional, commercial, or aesthetic considerations, to social, ethical, and political perspectives. As a fashion designer and scholar, Cuba is interested in issues of gender, biopolitics, health, and global fashion practices. She has developed projects concerned with health, activism, education, and the study of non-western fashion systems.
Cuba received an MFA in Fashion Design & Society from Parsons, The New School University (USA), and a BSc in Social Psychology from Cayetano Heredia University (Peru), where she also undertook MA studies in Educational Psychology and PhD studies in Public Health. Her work has been exhibited at the Boijmans Van Beuningen Museum (Rotterdam), the Museum of Arts and Design (New York), Museo Amparo (Puebla), Albuquerque Museum (NM), OCT Art & Design Gallery (Shenzhen), BRIC Arts Media (New York), Fashion Space Gallery (London), Sur Gallery (Toronto), ART LIMA (Lima), among other cultural venues.
She currently works as Assistant Professor of Fashion Design at Parsons, The New School University (NY), as a Visiting Professor of Garments and Textiles at the School of Arts and Design, Pontificia Universidad Catolica del Peru (LIM), and as an independent designer.
Click here for the video recording.
10/07/2020
TransformArte: Diseño, arte y moda
Publicado en: La Tercera
Diseño de Cambio
La peruana Lucía Cuba @luciacuba, diseñadora, investigadora y profesora de Parsons (The New School University), tiene un trabajo enfocado en la importancia del reconocimiento de la agencia para el cambio social, tema fundamental hoy. “Esto a partir de los procesos, técnicas o formas que soportan, articulan y activan mis trabajos dentro y fuera del espacio de la educación formal”, nos dice.
05/08/2020
Conversatorio 3: Tecnología e identidad
Publicado en: WTA - Biennal Textil
PRE-BIENAL WTA ONLINE / PRE-WTA BIENNIAL ONLINE
Conversatorio realizado en el contexto de la PRE-BIENAL WTA ONLINE, organizada en Chile en septiembre del 2020.
[Sep 10] Conversatorio 3: “TECNOLOGÍA E IDENTIDAD”
La práctica textil como comunicación y expresión de identidad; el gestio inicial, la vinculación entre las tecnologías iniciales y contemporáneas, y la producción artística.
Panelistas invitados:
-Victoria Manganiello (USA)
-Lucía Cuba (Perú)
-Anne Sofie Overgaad (Denmark)
02/01/2024
Fashion educators share their advice for the new year
Publicado en: 1Granary
The first days of the year are a time for reflection and inspiration, and tutors are always a great source of advice. We’ve always felt it’s a shame that the words of wisdom from great educators are shared only with their students. As we usher in the new year, we reached out to fashion tutors from universities around the world, from London to Australia, for their pieces of advice.
08/08/2023
Fuera de Serie: El lenguaje de la moda
Publicado en: Spotify: Fuera de Serie - Podcast
En el cuarto capítulo dialogamos con una diseñadora del mundo de la moda, pensadora crítica de los sistemas dela moda en América Latina. Reflexionamos sobre las voces pasadas y presentes en el vestuario, y el rol del diseño independiente en la actualidad.
-—
El trabajo de Lucía Cuba aborda de manera crítica el diseño de moda y la construcción y exploración de prendas de vestir como dispositivos performativos y políticos, ampliando la comprensión del papel de los objetos de diseño de moda, desde consideraciones puramente funcionales, comerciales o estéticas hasta perspectivas sociales, éticas y políticas. Como diseñadora de moda y académica, está interesada en temas de género, biopolítica y prácticas globales sobre la moda. Ha desarrollado proyectos relacionados con la salud, el activismo, la educación y el estudio de sistemas de moda no occidentales.
Su trabajo está impulsado por el deseo de explotar la agencia del vestuario y cuestionar el lenguaje establecido sobre de diseño, tal como se experimenta hoy, con la intención de ampliar el potencial de la acción crítica de lo vestible, como dispositivos portátiles así como medios cultural y afectivos incorporados.
Cuba recibió un MFA en “Fashion Design and Society” de Parsons School of Design,, The New School University (EEUU) y una Licenciatura en Psicología Social de la Universidad Cayetano Heredia (Perú), donde también realizó estudios de maestría en Psicología Educacional y de doctorado en Salud Pública. Actualmente trabaja como Profesora en Moda, en Parsons School of Design, The New School University, y como diseñadora independiente.
#PodcastFueradeSerie
16/03/2023
Lucia Cuba is the new director of the Parsons Fashion Design and Society MFA. A conversation on fashion education and the urgent need to rethink the curriculum
Publicado en: 1Granary
“There is this extreme complexity of the fashion system and its impact, but realizing that you are a wearer of fashion, can make everything more relatable.”
Lucia Cuba speaks a hundred words a minute, too fast to transcribe without regular pause, even at half speed. It’s not uncommon for academics, who are trained both in fast thinking and eloquence. What is unusual, however, is her honest enthusiasm and eagerness to be accessible and understood, explaining anything that might be unclear.This high-paced yet self-reflective speech feels representative of the pedagogic challenge the assistant professor faces: one that is both urgent and very complex. At Parsons, she teaches fashion design as well as social justice, approaching garments as performative and political devices. How can fashion designers play a part in the social change our industry, and society at large, needs? According to Lucia, it all starts in the classroom, where everything ‒ from the fitting dolls to the cutting tables ‒ has a political implication. In this approach to fashion and education, climate change, gender equality, racial justice, and class consciousness intersect at every seam. You’d start speeding up for less! Luckily, she broke her vision down for us, step by step.
+ here: (https://1granary.com/interviews/lucia-cuba-parsons-fashion-mfa-fashion-educator/)":https://1granary.com/interviews/lucia-cuba-parsons-fashion-mfa-fashion-educator/)
08/08/2021
Lucia Cuba: Activating Your Creativity for Social Good
Lucia Cuba (Assistant Professor of Fashion Design, Parsons School of Design) discusses her belief in developing a curriculum that not only promotes awareness of social issues but inspires action.
15/02/2023
Finally, a Residency for Artist Mothers
Publicado en: Hyperallergic
Artists who are also mothers can now apply for the Art Mamas Residencies at Stoneleaf Retreat in New York’s Catskill Mountains, which awards recipients a week of uninterrupted time to focus on their work. All who identify as “womxn parent artists” can apply to the group residency, which will take place from June 26 through July 2. Only Art Mamas members are eligible for the Family Residency, a separate program that welcomes children, occurring July 2–7.
Artists attending the summer 2023 residency will have access to Stoneleaf’s facilities including private trails, a vegetable garden, a tennis court, a barn, and private studios. Individual residents will share a cabin, while those participating in the family residency will have a place to themselves. Both opportunities also include $1,000 in unrestricted funds, which can be used for childcare. Applications are open through March 8 at 5pm EST.
This co-hosted residency began in 2022 with grantees Lehna Huie, Anisha Tandiwe Bell, Lucia Cuba, and Joetta Maue. Because the opportunity does not require artists to work on a specific project or proposal, residents can continue ongoing projects, finish work for upcoming shows, or experiment with new ideas.
07/10/2022
[Conferencia] Legados de la eugenesia en America Latina.
[Conferencia] Legados de la eugenesia en America Latina. Oct 12 /13 . Evento online, gratuito y en español (traducción en Ingles). Registro➡️ https://bit.ly/3RZVkbD
23/03/2022
Moda y Arte? Prácticas Artísticas desde Latinoamerica
Publicado en: Draw Latin Fashion
Únete a este webinar gratuito para conversar junto a las artistas visuales Lucia Cuba y Casarina sobre cómo se vinculan el arte, la moda y las prácticas textiles en Latinoamérica.
